Fernando (F) et Humberto (H) Campana croient « en l’incorporation de l’artisanat dans la production de masse ». Cette démarche les a imposés au-devant de la scène internationale. Créateurs de l’année en 2012 à Maison & Objet, concepteurs du restaurant du Musée d’Orsay, nous connaissons bien leur travail. Pour la Carpenters Workshop Gallery Paris, ils proposent d’approfondir le concept développé avec le fauteuil Sushi – Edra. « Il a été notre première tentative d’utilisation de bandes minces et plates (de l’épaisseur d’un ruban de tapis, de feutre ou de caoutchouc) » (H) « nous avons décidé d’appliquer cette technique (à d’autres objets) dont les miroirs » (F). « Humberto a commencé sa carrière avec les miroirs. Nous revisitons nos débuts, en utilisant des nouveaux matériaux et en bénéficiant de la maturité de notre travail ».

OÙ PUISEZ-VOUS VOTRE INSPIRATION ?
Nous sommes des créateurs : design ou art ? Quand nous commençons à travailler sur quelque chose, le projet se compare à un fleuve, dont le flux prendrait des directions différentes, notre travail consiste à construire des ponts (et sur l’eau) entre ces deux disciplines (et d’autres), notre mot d’ordre, être libre de créer sans étiquettes, car nous sommes des témoins de notre temps. Cette série, c’est le reflet du Brésil, un pays de textures et de couleurs. Océan et la série Sushi s’inspirent des marchands ambulants de Sao Paulo qui superposent toutes sortes de choses : chiffons, jouets, tapis, couvre-lits… (Mais c’est aussi un travail de designer) – deux temps, une étude sur la sellerie et la tapisserie, puis un travail sur l’évolution de la technique, sans utiliser le processus traditionnel, mais en maintenant l’impératif de confort, pour renforcer la liaison avec les gens qui aiment nos créations.

LE DESIGN C’EST QUOI ?
Les designers travaillent souvent en liaison (matériaux et technologies de production) avec leur aire géographique. Cela joue un rôle clé dans leur création. De ce point de vue le design s’impose comme un outil pour envoyer des messages, pour poser des questions, pour proposer une nouvelle façon de vivre, pour changer la vie des gens. Nous savons, nous brésiliens que la vie peut être difficile ou triste. Nos objets y insèrent un peu de poésie, car nous sommes des conteurs avec un penchant pour les fins heureuses.

/54, rue de la Verrerie,75004 Paris – 22 mai au 27 juillet / ©Visuel : Fernando Laszlo, Courtesy Carpenters Workshop Gallery

Carpenters Workshop Gallery accueille les frères Campana, pour leur première exposition dans une galerie en France. Ils ont imaginé une série d’œuvres insolites intitulée Ocean qui repose sur des mélanges de matières en échos des rouleaux de makis japonais que le duo avait imaginés en 2002, à l’époque où il cherchait une méthode pour créer du capitonnage en se passant des techniques traditionnelles.

/54, rue de la Verrerie,75004 Paris – 22 mai au 27 juillet / ©Visuel : Fernando Laszlo, Courtesy Carpenters Workshop Gallery

Exposé pour la première fois dans le cadre de l’exposition Multiversités Créatives en 2012, aux côtés d’autres pièces d’exceptions, le fauteuil Jord, dessiné par Kossi Aguessy* et réalisé par Rinck** entre dans les collections permanentes Design du Centre Pompidou.

*Kossi Aguessy a travaillé aux côtés de Philippe Starck, puis créé son propre studio en 2003. Ses pièces de design sont exposées au Museum of Art and Design ainsi qu’au MoMA, à New York, et désormais au Centre Pompidou. **Grand nom de l’ébénisterie et de l’ameublement d’intérieur depuis 1841, le groupe Rinck regroupe en son sein les grandes disciplines de l’artisanat d’art français. / crédit®Kossi Aguessy

Un an après sa naissance pendant le Salon du Meuble 2012, La Chance est de retour à Milan avec une nouvelle version de du tabouret Bolt et de la lampe Tip Top.

/image – Tabourets Bolt de Note Design Studio – 2012 surmonté de la lampe de table TIP TOP de design by Jonah Takagi (2012)

Grand Tabouret a emprunté sa forme des ondes sonores. Constitué d’un seul morceau de chêne massif, cette grande pièce s’impose dans l’espace : Mikko Paakkanen dévoile tout son savoir faire issu de sa double formation de maître ébéniste et de designer de l’Université de l’Art et de Design de Helsinki. 

*Mikko Paakkanen prolonge la tradition de design scandinave du XXe siècle tout en innovant. C’est l’un des designers finlandais les plus importants de la nouvelle génération. /Galerie Maria Wettergren – 18, rue Guénégaud 75006 Paris

Anne Sudrow – chercheur au Centre d’histoire contemporaine de Potsdam – a découvert un rapport secret dans le Cambridgeshire, Royaume-Uni. Il peut être considéré comme “la source la plus importante et éminente sur les pratiques de conception dans l’industrie allemande dans le milieu du 20ème siècle“.

Le rapport offre des perspectives inégalées dans la réalité de la production de biens de consommation dans l’après-guerre en Allemagne. Les Alliés ont reconnu l’intérêt d’un domaine méritant un examen – extrêmement innovant, le secteur industriel ayant été contraint de faire usage de matériaux de substitution dans le cadre du plan nazi de quatre ans.

Trois raisons possibles pour l’intérêt que les Britanniques ont montré pour le sujet 1/ les avantages qui en découlent pour leur propre industrie 2/après guerre le design britannique bénéficie de subventions publiques (le design council est fondé en 1944 pour ancrer la notion de “bon design industriel“) 3/ aider la profession de designer industriel à s’imposer comme une véritable profession en Grande-Bretagne.

Le rapport affiche les premiers signes d’une évolution qui a conduit le design à jouer un rôle de plus en plus déterminant dans le succès des produits de masse. Cette mission secrète n’a pas grand chose à voir avec l’image glamour souvent associée à notre compréhension moderne du terme “design“. Elle consiste en l’envoie de neuf designers de renom et d’experts britanniques en l’Allemagne entre Juin et Décembre 1946. Répartis en équipes différentes, ils ont visité un total de 92 entreprises et 22 établissements d’enseignement. Dans les zones d’occupation américaine, ils interrogent entrepreneurs, réalisateurs, techniciens, architectes et architectes d’intérieur, designers et personnel enseignants. Ils étudient toute une série de produits, photos et illustrations, le tout afin de sonder les méthodes de recherche et de production utilisées.

La mission, qui avait été mise en place, à servi a jeter les bases du design anglo-saxon. Malheureusement si le rapport est une parfaite étude de terrain, il ne livre pas de conclusions, ni de recommandations dont nous pourrions juger de l’efficacité 60 ans plus tard. En revanche il indique clairement comment les industriels allemands furent enthousiastes à propos du “bon design“ et combien ils ont apporté leur soutien aux établissements d’enseignement.

/Rapport secret sur le design allemand (Geheimreport Deutsches Design) – (1946) – Texte original en anglais, commenté et et introduit en allemand et anglais par Anne Sudrow / 2012, Deutsches Museum, Abhandlungen und Berichte, vol 28 / commander le livre / image © Bildarchiv Preußischer Kulturbesitz

Avec son brassard MYO, la startup canadienne Thalmic Labs confirme la capacité technologique du corps humain à réduire les frontières avec le digital, en droite ligne des lunettes Project Glass de Google, le tracker de Fitbit, les smartwatches LiveView et Pebble ou le bracelet UP, ce ne sont plus des gadgets, les objets connectés sont le futur !
Dans la lignée du chargeur électrique humain TEGwear, le brassard utilise l’énergie du corps humain et permet de contrôler ordinateurs, téléphones et télévisions : quand le muscle se contracte ou se détend, des électrodes transmettent l’information au logiciel chargé de convertir le mouvement du doigt ou de la main en chaque commande spécifique. Pour l’industrie du jeu vidéo, cette innovation sera décisive. Steve Wozniak (cofondateur Apple) ne tarit pas d’éloge à son sujet.

Konstantin Grcic a posé la question de savoir pourquoi on “voit on encore ces chaises Eames stupides dans tous les appartements“? Il est vrai qu’on les trouve sur presque toutes les photographies présentant appartements “design“. Radicale il y a 65 ans, elle présente une structure en fibre de verre texturée et une multitude de couleurs merveilleusement rétro. En 10 ou 15 ans, elle est devenue une icône du phénomène revival design, au côté des meubles Charlotte Perriand.

Conçue en 1948*, pour le “Low Cost Furniture design“ (compétition proposée par le MoMA de New York), les Eames créent un nouveau territoire : sa forme organique, la gamme des bases de formes différentes ont permis une pléthore de variations avec la hauteur du siège différent, pour une utilisation intérieure et extérieure, en privé ou en espaces semi-publics**. Si cette simple chaise quotidienne fut un temps symbole de banalité, elle est dorénavant un élément de distinction : s’offrir un “président“ d’origine en fibre de verre est l’expression d’un regard critique sur le perfectionnisme excessif de notre époque. C’est pourquoi, il semble que l’histoire contredit l’affirmation de Konstantin Grcic : c’est un objet fascinant, car quelle autre chaise atteindra dans 60 ans cet état emblématique de classique intouchable ?

*Herman Miller et Vitra ont fabriqué les chaises Eames par millions jusqu’au milieu des années 1980. Mais, dans les années 1990, il n’était pas rare de tomber sur un président Eames Plastic posée aux côtés des poubelles. Pourtant, au cours des vingt dernières années, un enthousiasme renouvelé a généré une remarquable appréciation de ces chaises en fibre de verre. **les trois-lettre code utilisé permet de les identifier en fonction de leur hauteur et de leur base (DSW, DSX, DSR, DAX, DAW, DAR, RAR, LAR, LAX… – les couleurs : magenta, bleu électrique, vert écume de mer, jaune citron, ambre brut, écru – l’étiquette papier sous la coque d’assise.  /image Drawing for a Side Chair from the Museum of Modern Art Organic Design Competition, Designed by Charles Eames and Eero Saarinen, 1940 ®MOMA

Marcel Breuer est un des designers les plus importants et les plus influents du XXe siècle : On lui doit l’invention du meuble en tube métallique. “On entend certains objecter que les meubles en acier sont froids et qu’ils rappellent les hôpitaux ou le matériel chirurgical. Ces idées passeront à la trappe du jour au lendemain – elles sont le produit d’habitudes – et seront annihilées par une autre habitude“. Marcel Breuer en 1927Il a eu “l’intention [...] d’emprunter une voie qui mènerait vers des volumes toujours plus importants. Raison pour laquelle (il s’est) tout d’abord concentré sur des éléments plus petits comme des chaises et d’autres meubles (il est) ensuite passé des meubles aux habitations privées“. Il a exercé une influence déterminante sur la culture de l’habitat du XXe siècle du mobilier aux aménagements intérieurs.

Dans les années vingt Breuer est directeur de l’atelier de meubles du Bauhaus, mais passons sur cette “période bois massif“ pour nous comprendre son intérêt pour l’acier tubulaire. Pour lui le tube d’acier s’adapte à l’idéal fonctionnel et esthétique du design des années 1920 : il permet la production en série, la standardisation, le fonctionnalisme et l’hygiène. Du fauteuil B3 Wassily et la chaise B9, créés en 1925 pour meubler le Bauhaus de Dessau jusqu’à la chaise Cesca (ou cantilever), toutes ses créations sont constituées d’un unique tube chromé plié en porte-à-faux avec assise et dossier (en bois canné, toile ou cuir).

Ce principe de porte à faux (cantilever) aux débuts des années trente, il l’applique à d’autres matériaux. L’élasticité et la souplesse des chaises en acier tubulaire sont maintenues en doublant les pieds d’un nouveau modèle en aluminium.

En 1932, il fait breveter ce principe structurel appelé “base pour sièges résilients“. Mais contrairement aux attentes de Breuer, le mobilier en aluminium est un échec commercial, la production est arrêtée bien avant la Seconde Guerre mondiale.

En 1935, il s’installe en Angleterre et commence à travailler les lamelles en bois cintré. Il dessine une série de meubles pour la manufacture Isokon, spécialisée dans les produits en contreplaqué à l’esthétique moderne. Son travail sur le bois cintré, l’amènera au lamellé-collé dont il fera usage dans son expression architecturale, mais c’est une autre histoire. Car de découvertes en découvertes, de rencontres en rencontres, il croise le chemin de Pier Luigi Nervi (avec qui il collabore sur le projet de l’Unesco dans les années 1950). Ce dernier lui fait découvrir le béton armé, matériau de construction qui offre des possibilités de conception encore inexplorées. Cela stimule la créativité de Breuer, mais l’amène à progressivement puis définitivement abandonner le mobilier.

Dès lors, seul subsiste le porte à faux qui est l’élément clé du vocabulaire créatif de Breuer et peut être compris comme la passerelle entre ses différentes créations et sa signature.

/Marcel Breuer (1902-1981) - Design & architecture 20 février – 17 juillet 2013 - Cité de l’architecture & du patrimoine – palais de Chaillot – 1 place du trocadéro – paris 16e /images - /1 – Fauteuil B3, structure d’acier tubulaire, édité par Standard Möbel, 1927, Collection Vitra Design Museum © Photo Thomas.Dix – Archives du Vitra Design Museum Weil am Rhein /2 - Portrait de Marcel Breuer, été 1975 © Archives du Bauhaus, Berlin

Ce qui m’intéresse c’est “le rapport artistique entre les lois physiques et la matière“ c’est en ces termes que Piotr Kowalski (1927-2004) qualifie son travail.Il collabore de 1952 à 1957 à New York avec I.M. Pei et à Paris avec Marcel Breuer pour le Palais de l’UNESCO. Avec Jean Prouvé il étudie les structures préfabriquées - la Maison du désert, présentée au Salon des Arts Ménagers en 1958.

En 1958 il fonde une société d’art autour de la machine qui produit la première construction sculpture-architecture de grande dimension. Il réalise un prototype préfabriqué d’un transformateur électrique EDF installé à Fresnes en 1960. Constitué de plaques de polyester, les murs du bâtiment reprennent les déformations subies par une surface élastique tendue sur un cadre métallique. Le nouveau procédé permet donc à Piotr Kowalski d’imaginer l’habitat d’une autre façon. Ce mode de production est montré pour la première fois en 1961 à la Galerie des Beaux Arts à Paris, et lors d’Antiprocès 3 à la Galerie Brera à Milan la même année.

L’exposition présente des maquettes d’architecture, des pièces uniques en néon, de petites éditions ou encore d’œuvres expérimentales.

/Galerie Downtown-François Laffanour – 33, rue de Seine, 75006 Paris – du 12 avril au 31 mai 2013 //images 1- Piotr Kowalski – Cube no 3 – 1967. 2/Piotr Kowalski -Atelier – 1990/91 ©JL.Elzéard/CIRVA

Parmi le fatras habituel d’accessoires, de textiles et de meubles, le salon du Meuble de Milan offre perfection et savoir faire. La redécouverte de l’artisanat et la révision des techniques de production traditionnelles se sont avérées être un thème récurrent qui a couru comme un fil rouge.

De nombreux exposants ont présenté des produits en porcelaine, en bois ou en métaux semi-précieux. En outre, les présentations elles-mêmes étaient plus réservées. L’une des plus remarquable, ėtait celle de la societe Japonaise MSY (colors) sur lequel était présent le designer Eisuke Tachikawa.
Ce dernier en se spécialisant dans une approche inter-disciplinaire joue avec l’idée que le “design est invisible“. Son approche produit et ses méthodes de créations innovantes ont été récompensées par de nombreux prix*.

Q – RANGER, ACCOMPAGNER, AIDER ? 

Je passe beaucoup de temps à apprendre des différents arts traditionnels japonais, des éléments naturels ainsi que des formes géométriques. Je recherche simplement un moyen de surpasser ma vision personnelle. Par exemple, le Cartesia est un meuble de rangement ayant la capacité d’ouvrir ces tiroirs dans deux directions différentes. Ce système, je l’ai développé conjointement avec les charpentiers de la région de Tokushima. Cet esprit de conception a donné naissance à un bureau professionnel utilisant les mêmes fonctions. Un bureau multidimensionnel : la multi-direction, un principe signalétique que J’aimerai appliquer à un hotel. cela me permettrait de concevoir un design qui d’optimiser la qualité du service !

Mon intention : assembler plusieurs composantes de domaines différents pour ne former qu’un ensemble. Ce principe multidimensionnel, je l’ai aussi voulu dans mon initiative pour la promotion de design utile en temps de catastrophe naturelle.**

*Design for Asia Award 2011, NY ADC Young Guns 7, PENTAWARDS PLATINUM, Good Design Awards... **Eisuke tachikawa est également le créateur du « Olive Project » une initiative pour la promotion de design utile en temps de catastrophe naturelle.

Tu Nguyen est un entrepreneur de crise. En fondant 321Factory, elle affirme à sa manière la promotion du design tout en faisant sienne la devise “ensemble, nous pouvons y arriver, car tous les objets ont en commun de participer à un projet de développement durable et solidaire“.

Pour elle, ce qui manque c’est la conscience de l´achat responsable et durable pour des objets qui ne soient pas considérés comme des Kleenex, que l´on use et que l´on jette (par exemple le site de vente est conçu comme une boutique où, en groupant les commandes, on obtient des fabricants les meilleurs prix).

POURQUOI CETTE AVENTURE ?
Les meubles que je propose sont beaux, solides, s´assemblent facilement, sont aussi facilement démontables et sont conforme à une époque où la mobilité géographique s’impose. Mais avant le côté pratique, c’est d’abord le style, la forme des objets qui m’interpelle, mais c’est en écoutant les designers, leur parcours, leurs idées, et surtout l’histoire de l´objet que je suis définitivement conquise, d’ailleurs nous avons sur notre site une page “devenir partenaire“ pour les designers,
Pour l’heure ceux que j´expose sont imaginés et conçus par des designers que j´ai découvert au fil de rencontres et qui m´ont plu, dans un monde infiniment riche et passionnant où prédominent la créativité et les concepts novateurs.

QUELLES PERSPECTIVES ?
Question difficile… Nous avons commencé à vendre, plus en France qu’en Espagne d’ailleurs où la situation est difficile, c’est pourquoi nous avons aussi opté pour un site en ligne, beaucoup plus de gens, quels que soient le lieu et l´heure, peuvent nous trouver (le temps est notre bien le plus précieux).

/image – Chaise de bar marron Ximei de J.P. Quintero

Le terme rationalisme n’existe qu’en Italie, car ailleurs on utilise le vocable modernisme. Ce mot fut utilisé en 1928 pour l’exposition sur l’architecture rationaliste. Le rationalisme se définit par une volonté de ne pas sombrer dans un style international, de trouver une individualité, de garder vivace l’esprit du Bauhaus tout en en modifiant la lettre quand il le fallait“.

 Marc-Antoine Pâtissier

Tout à la fois verbe et substantif, (to) design associé à rationalism, donne à entendre l’alliance entre du concepteur et de l’ingénieur et de l’industriel. D’ailleurs les mille objets et leur succès brouillent la frontière entre artes liberales et artes mechanicae.

Le rationalisme allemand

Fondée en 1955, l’École d’Ulm (Hochschule für Gestaltung d’Ulm – HfG Ulm), reprend et dépasse les aspirations de l’enseignement du Bauhaus, dans son ambition de développer le rationalisme et la production industrielle. Cette ambition accompagnera le miracle économique allemand d’après-guerre, trouvant un bon exemple d’application dans la collaboration entre Dieter Rams et la firme Braun. Une croyance dans les valeurs du progrès un peu béate guide ce courant design.

Le design prospère depuis la fin (philosophique) du Grand Art dans le monde de l’art daté par Adorno, du début des années Soixante. Fidèle à ce modèle, les programmes pédagogiques furent organisés en conformité avec le conservatisme politique ambiant. Couches après couches, rationalisme aidant, le Parlement décide de rattacher l’École à une école d’ingénieurs et la fermeture définitive de l’école fut décidée en mai 68. À l’heure de la révolution progressiste submerge l’Europe, l’École s’arrête !

Alors qu’est-ce qui distingue le rationalisme allemand et italien et le fonctionnalisme à l’œuvre dans d’autres pays ?

Le rationalisme italien

Dès les années cinquante, partagé entre fonctionnalisme, expérimentation et outil de production affûté, le design italien est scindé en un versant organique et aérodynamique incarné par Carlo Mollino et un rationalisme dominé par Franco Albini, Osvaldo Borsani et Ignazio Gardella. Plus que dans l’enseignement, la suprématie italienne s’impose dans le mobilier et les luminaires (Gino Sarfatti) : l’idée de meubles fonctionnels est abandonnée au profit du paysage domestique – alors que les créateurs scandinaves cherchent à masquer les sources de lumière, les modèles de Sarfatti se démarquent par leurs fils et ampoules apparents. À Milan contrairement qu’à Ulm, on ne réfléchit à l’adaptation de la forme à la fonction. Ici, les notions de patrimoine ou de transmission sont périmées.

Rationalisme allemand ou radicalisme italien, fonctionnalisme, Style Internationnal, c’est un même courant. Il reste un modèle pour beaucoup, un état d’esprit. “Le designer dirige le monde à coup de canons esthétiques intransigeants liés aux valeurs d’usage. Comment distinguer le bon design du mauvais ? Selon quels critères peut-on dire qu’un paysage, une ville, une maison, un objet, un être humain est mieux désigné qu’un autre ? Comment différencier le souci esthétique de soi jubilatoire du surhomme artiste de Nietzsche de celui, mortifère, du Clay de Bret Easton Ellis ? Bernard Lafargue

Citation d’autant plus vraie qu’aujourd’hui les valeurs d’hier, d’égocentrisme et de valorisation de soi – qui ont longtemps guidé la pensée du design – laissent la place à d’autres valeurs qui émergent : coopération et convergence, durée et durabilité, respect et gratuité.

/image - Bureau de Franco Albini pour Knoll - 1949

La sixième édition de la Triennale Design Museum est consacrée à un aspect inhérent au design italien : sa capacité d’assimilation, sa curiosité et le fait de les soumettre à des procédés inattendus. “C’est là que le syndrome d’influence entre en action, dans un processus sans fin“. Traduisant la complexité de ce phénomène, l’exposition est organisée en trois parties, correspondant à trois moments de l’histoire, ce qui est dit de la période d’après-guerre jusqu’à nos jours.

La première partie – l’invention du design italien – est consacrée aux maîtres de l’âge d’or. Elle nous ramène aux origines et explique ce qui a transformé le design italien en un phénomène culturel international via l’introduction d’une approche pluridisciplinaire. La deuxième partie – la destruction créative – est un compte rendu oral des événements de la période par ceux qui étaient présents à l’époque, ici la mémoire devient patrimoine. Les propos créent une liaison avec les transformations culturelles, politiques et économiques qui ont secoué l’Italie d’après-guerre conduisant à des réponses innovantes de l’industrie (Made in Italy). La troisième partie – un Nouveau Monde – illustre la philosophie des grandes marques, la façon dont elles établissent leurs stratégies de production et choisissent leur image de marque et de leurs créateurs.

/Illustration – Joe Colombo – projet : Italo Rota – production : Triennale Design Museum - 6 avril 2013 au 23 février 2014

Depuis vingt ans, Moooi, fondée par Marcel Wanders et Casper Vissers est “La belle“ – mooi en néerlandais. À l’occasion de cette exposition rétrospective, on est surpris de voir combien cette “compagnie“ a su capter l’air du temps et durablement influencer tous les designers avec joie. Ici tout y est : ironie, pastiche, hommage, référence, démesure, tout cela s’est imposé comme tendance : le design ironic, le xxl… et a créé une école durable sous la houlette de Marcel Wanders*… l’exposition célèbre aussi la coopération et l’amitié entre Marcel Wanders et Erwin Olaf. La photographie et le design se connectent dans un équilibre parfait, élégant et ludique sur et sous dimensionné.

*Jurgen Bey, Pot Bertjan, Maarten Baas, Jaime Hayon, Neri & Hu, Studio Job et Nika Zupanc. Marcel Wanders est responsable du processus de sélection de design global /illustration 1/ FALL 2008 - Erwin Olaf® 2/Urbanhike 2012 – Marcel Wanders ® Moooi.

Ecal avec “the Iceland Whale Bone Project“ propose une recherche expérimentale à partir d’os de baleines échouées, récupérés par les étudiants du Master Design de Produit de l’ECAL. Ce travail a été initié lors d’un workshop en Islande avec le designer Brynjar Sigurðarson : “il s’agissait de recueillir sur les plages différents types d’os de baleines, mais également des peaux ou dents de requins, voire même des déchets en plastique.“ Cela donne des cutters utilisant des dents de requins ou des maquettes de bateaux dont les quilles sont fabriquées à partir de vertèbres de baleines.

Superbe !

/image /Hrefna (Minke whale in Icelandic, also a woman’s name), ECAL®Milos Ristin

Présentée à la Triennale di Milano, l’exposition “Constance et changement dans l’artisanat traditionnel coréen“ dévoile onze objets de la vie quotidienne où se mêlent tradition et modernité.

Chaque œuvre raconte une histoire : chaque histoire commence avec un matériau (bois, céramique, tissus, argent, papier, laque). L’exposition montre une autre Corée, à la fois dynamique, productive et artisanale loin des clichés pop.
Ces objets, harmonieusement et simultanément, accèdent à la modernité sans perdre leurs âmes.
/Illustration /flow - Suh Young Hee /Lin /2012

Le Centre National de l’Artisanat de Taiwan (TCRI) présente vingt-sept chaises artisanales classiques sont divisées en trois catégories principales – le tissage, le pliage et la sculpture. Ici la chaise n’est pas seulement l’incarnation parfaite de la culture orientale, mais implique aussi la création des concepts environnementaux. L’utilisation de matériaux naturels par les concepteurs, artistes et artisans, reflète leurs goûts et leurs croyances et offre une combinaison singulière dans l’industrie du design.

/Illustration /flow ® Cheng-Tsung Feng, Kao-Ming Chen /bambou /2012 

Controstampo est une nouvelle façon d’interpréter l’environnement salle de bains. Pour ces objets fabriqués en Cristalplant ® l’équipe* s’est inspirée du langage de l’industrie : les structures ne masquent rien. Tous les éléments qui composent Controstampo renvoient immédiatement aux poutres, piliers et arcs-boutants, crées pour rendre claires et aérées ces structures destinées à durer longtemps. En même temps, c’est un vocabulaire esthétique nouveau.

*Paola Taccardi, Dario Gaudio, Vittorio Venezia,

Certes, les “classiques du design“ sont toujours été chéries, de Eames à Panton et d’Eileen Gray à Hans J. Wegner. C’est pourquoi, Konstantin Grcic, une fois encore, nous impressionne !

C’est un maître dans la façon de créer un pastiche, de la Barcelona Chair, il nous offre, avec son “B Banc“ dans le cadre de la collection “Extrusions“, un dépoussiérage du fauteuil de Mies van der Rohe. Le banc entier est maintenant en aluminium, ce qui donne à la pièce dans son ensemble un caractère complètement différent. Qu’il s’agisse d’un fauteuil ou d’un banc qui peut aller jusqu’à six mètres de long. Banc B est un hybride d’un banc de jardin simple et d’un célèbre meuble, un mélange de passé et de présent : un pastiche de qualité*.

*Dans la littérature, le cinéma, la musique, l’architecture, un pastiche est une œuvre artistique qui se réfère ouvertement à un artiste précédent qu’il imite – à ne pas confondre avec la copie. La forme de l’imitation montre souvent une haute estime et un hommage. Pensez à une Porsche 911 et la façon dont elle s’est métamorphosée au fil des décennies et vous comprendrez tout de suite ce que cela veut dire – image - BENCH B Konstantin Grcic®BD Barcelona Design

Quartz* est un fauteuil conçu par CTRL ZAK** et Davide Barzaghi pour D3CO. Il est issu d’une série mathématique appliquée au meuble. “Les structures bidimensionnelles en hêtre – pentagonales et hexagonales – se développent de manière tridimensionnelle dans l’espace à travers les volumes du rembourrage revêtus de fibres naturelles“. C’est un peu compliqué à comprendre mais le résultat est surprenant.

*Quartz est une production numérotée en raison de ses modalités de fabrication particulières, chaque création est unique et exclusive **CTRL ZAK Art & Design Studio est fondé par Thanos Zakopoulos (Grèce) et Katia Meneghini (Italie) et utilise des instruments sémiotiques et cognitifs au cours du processus de création.

Repenser les objets du quotidien et donner les formes contemporaines d’expression aux nouvelles technologies – c’est la démarche de conception adoptée par Stefan Diez*. La chaise EC05 fait partie de la série proposée par le designer allemand. L’utilisation intelligente de la couleur renforce la qualité de son travail.

*Après des études à l’Académie de Stuttgart arts visuels (ABK), il a commencé à travailler pour Richard Sapper, puis avec Konstantin Grcic. Il a ouvert son propre studio de design à Munich en 2003. Il travaille pour Established & Sons, Moroso, Wilkhahn et Thonet, Il a remporté de nombreux prix de design et son travail a été exposé par les grands musées.

“Bell Table“ de Sebastian Herkner* détourne nos habitudes en utilisant le verre comme la base pour un sommet métallique qui semble flotter. Œuvre sculpturale, elle valorise la beauté des matières et des couleurs employées. C’est sa première collaboration avec  ClassiCon.

*Sebastian Herkner – désigner allemand – concentre ses efforts sur les objets et meubles combinant les nouvelles technologies avec l’artisanat traditionnel. Il travaille pour De Vorm et Moroso. Ses créations ont reçu de nombreux prix.

C’est en collaboration avec Republic of Fritz Hansen™ que Jaime Hayon, a conçu un fauteuil (et demi). “Mon but était de créer un fauteuil fin et élégant, propice à la réflexion et au confort“ explique le designer - Ro signifiant tranquillité en danois.

Le parcours de Giacomo Moor est atypique, après avoir étudié au Politecnico de Milan et soutenu une thèse sur le bois (Difetti di pregio. Ebanisteria tra scultura e design, 2009), publiée dans Abitare, il travaille dans un magasin de commerce de bois. Cette passion pour l’ébénisterie, il l’a met en œuvre dans son atelier de la via Padova au service (entre autres) de Memphis.

Q – VOUS INVESTISSEZ CE LIEU CHARGÉ D’HISTOIRE ?
Je suis fier et honoré d’exposer dans ce lieu d’histoire et de travailler avec cette entreprise qui vante les collections des maîtres du design, comme Sostass, Branzi, De Lucchi et tous les autres designers du mouvement Memphis. Je suis fasciné par cette filiation et comme cette maison est toujours à la recherche de nouvelles expressions, j’ai pu concrétiser mon projet en le dessinant et en le réalisant personnellement avec mes propres menuisiers*.

Q – COMMENT LES VISITEURS PERÇOIVENT-ILS VOTRE APPORT
Il y a l’effet de surprise 1/ les meubles fermés obligent à un rapport de complicité pour découvrir le système d’ouvertures : les visiteurs sont sensibles à l’aspect mystérieux 2/ ils apprécient que Memphis investisse dans un jeune designer ayant une approche artisanale.
Mon objectif est de créer des formes élémentaires, simples qui étonnent. Ici c’est le bois qui dialogue avec le ciment selon un rapport architectural : vidée, la poutre est reconstruite et fonctionne comme un conteneur.

*édition limitée à 12 pièces.

c’est une série de sièges (Moroso) dont l’expression esthétique est liée aux formes animales. Le trio suédois (Front) les a conçus comme des objets d’éveil oscillant entre affection ou répulsion.

Front est reconnue pour semer la confusion et de jouer avec notre perception. Mikado la dernière conception de trio suédois Sofia Lagerkvist, Charlotte von der Lancken et Anna Lindgren pour Porro ne déroge pas à la règle. Le nom de la pièce dit tout, c’est une cage pour objets précieux, assez éloignée des clichés essentiellement minimalistes et sobres du design scandinave.

“ce n’est pas l’angle droit qui m’attire, ni la ligne droite, dure et inflexible, créée par l’homme. Ce qui m’attire c’est la courbe libre et sensuelle. La courbe que je trouve dans les montagnes de mon pays, dans le cours sinueux de ses fleuves, dans le corps de la femme aimée“.

Oscar Niemeyer – malheureusement disparu le 5 Décembre dernier

Jasper Morisson présente Fionda une chaise de camping pliante, directement inspirée d’une longue lignée de chaises comme la Tripolina, devenue un véritable fauteuil de salon depuis longtemps. De nouveau il propose une combinaison parfaite : “légèreté de la structure et efficacité… un ensemble assez conforme avec l’humeur d’aujourd’hui.“

Espen Voll et Torbjörn Anderssen proposent pour Foscarini “Yoko“. L’assonance du nom souligne la courbe de la silhouette sphérique aussi légère et éphémère qu’une bulle de savon qui flotterait au-dessus d’une table.

La Galleria Carla Sozzani expose une rétrospective de 60 ans de carrière créative de Angelo Mangiarotti, un maître de l’élégance milanaise, c’est aussi l’occasion de découvrir la réédition de la chaise Tre 3 (même si certains détails ont été adaptés).

/image : Tre 3 ®Agapecasa

Jaime Hayon présente sa collection outdoor développée pour BD Barcelona. C’est tout son univers que l’on retrouve dans la collection Gardenias qui se conjugue au pluriel (banc, jardinières…). Elle est romantique c’est certain, sensuelle c’est sûr, mais surtout éclectique comme tout ce que fait Jaime Hayon.

Comment obtient-on un emplacement dans Salone Satellite ? Avec un e-mail répondent les organisateurs. Sur le nombre reçu par l’équipe du Salon du Meuble de Milan, pas de réponse ! Néanmoins chaque année, c’est de tous les coins du globe qu’affluent les demandes. Marva Griffin a pris sur elle d’attirer le plus grand nombre possible de jeunes talents du design. Elle a également voulu créer un espace où les concepteurs pourraient établir des contacts avec les fabricants.
Satellite, c’est un mythe : c’est ici que Giulio Cappellini a observé les Bouroullec et les a transformés en stars – la vérité, c’est au Salon du Meuble de Paris où les frères présentaient la “Cuisine désintégrée“ en 1997. Satellite, c’est des légendes aussi : Stefan Diez. Un des élus en 2002 – Big Bin – a utilisé le Salone Satellite comme un “outil de construction de marque“ comme il le dit lui-même. Il a participé trois années de suite (le maximum autorisé) de 2007 à 2009 à démontrer toute la gamme de ses capacités et la diversité de son portefeuille. Le succès a suivi. Alors on comprend pourquoi certains participants acceptent de passer plusieurs nuits dans une caravane sur un des parkings du parc des expositions.

*750 designers – 17 universités de design de onze pays – 150 stands étaient en jeu – en 2012 près de 60 000 visiteurs

Grand Tabouret a emprunté sa forme des ondes sonores. Constitué d’un seul morceau de chêne massif, cette grande pièce s’impose dans l’espace : Mikko Paakkanen dévoile tout son savoir faire issu de sa double formation de maître ébéniste et de designer de l’Université d’Art et de Design de Helsinki.

*Mikko Paakkanen prolonge la tradition de design scandinave du XXe siècle tout en innovant. C’est l’un des designers finlandais les plus importants de la nouvelle génération. /Galerie Maria Wettergren - 18, rue Guénégaud 75006 Paris

Depuis plusieurs années le Salon du Meuble vit à l’heure de la crise dans une époque façonnée par la mondialisation des marchés.
Pour Claudio Lutti (Kartel) “face à la concurrence asiatique les pays les plus compétitifs l’Allemagne, la France, l’Espagne, devraient mettre en commun leurs énergies et leurs compétences… mais aussi être soutenus par les institutions publiques et gouvernementales“. Quels impacts ici* ?
1/ Il semble que les entreprises qui travaillent avec des clients non italiens se portent mieux que celles opérant dans la seule Italie 2/depuis quelques années (ici mais également en France) on assiste à un renforcement de la publicité et des efforts de communication au détriment de l’innovation 3/ l’importance d’être perçu comme un point de référence en Italie, en Europe et sur les marchés émergents d’Asie, d’Amérique du Sud et dans les pays ex-Union-Soviétique.

On le voit, un produit parfait, de haute qualité ne suffit plus, car il y a beaucoup plus de concurrence aujourd’hui, il faut donc trouver les bons partenaires.

*le Salone Internazionale del Mobile est le salon le plus important du secteur – 300 000 visiteurs – 160 pays.

La question du design en Italie s’inscrit dans les mentalités collectives, elle se fait connaître par les 3 triennales de Milan, 1951, 1954, 1957.

Dans, le design des années cinquante en Italie, les maîtres mots étaient la recherche de la beauté et de la fonctionnalité. Pour soutenir leurs actions, Achille et Pier Giacomo Castiglioni, Marco Zanuso, Ettore Sottsass et Vito Magistretti créent une alliance entre design et industrie, illustrée par l’exemple de Marco Zanuso, qui conçoit un meuble avec de la mousse synthétique Gommapiuma, sous l’incitation du fabricant de pneu Pirelli. Ce siège Lady devient le symbole du design des années cinquante. De même, Gio Ponti en duo avec l’entrepreneur Cesare Cassina et impose durablement la Supperleggera.

À la fin des années cinquante, un groupe (Gae Aulenti, Roberto Gabetti, Aimaro Isola, Aldo Rossi – équivalent italien du Jugentstil) se détache et critique sur un mode très ironique le conformisme croissant des aînés. Lorsque vient la crise italienne de 1963, où le pays lutte contre l’inflation, le chômage et les troubles sociaux, on remet en question le design, pas seulement sur la question du style unique, mais dans sa fonction et son apport à la société : il n’aurait pas tenu ses objectifs sociaux. Ces deux courants contraires s’affichent dans l’exposition de New York en 1972 au Museum of Art “Italy : the New Domestic Landscape“, dédié au design italien du moment.

Début des années soixante-dix, lorsque les facultés d’architecture se révoltent, des groupes se forment, donnant naissance à des mouvements de Radical Design, comme Archizoom, Superstudio, UFO et 9999. Ils conçoivent des objets utopiques, des manifestes et des expositions, avec le soutien de designers établis comme Ettore Sottsass ou critique Ugo de la Pietra ou plasticien Gaetano Pesce. Ils prônent une transformation de la société par le design et l’architecture, ils sont influencés par les mouvements artistiques du moment tel que le Pop Art, l’Arte Povera ou le Concept Art. Andrea Branzi, Massimo Morozzi en sont les principaux acteurs.

On trouve alors deux tendances dans le design : celle de la production industrielle classique et celle du contre-projet utopique. Les industriels cependant, continuent à travailler avec les designers et intègrent dans leur production des designers des mouvements de radical design. Finalement, les utopistes se heurtent à leurs propres limites et leur goût insistant de la théorie s’épuise au milieu années 1970. Le mouvement accouche d’une deuxième vague de design extrémiste, partant du bureau d’études Alchimia à Milan. Alessandro Mendini en est l’initiateur avec, autour de lui, Michele De Lucchi, Ettore Sottsass (encore). Ils manient de façon anticonventionnelle différents langages du design, du pluralisme culturel et du design ironique.

Début des années quatre-vingt, Alchima se fond dans le groupe Memphis, qui ira encore plus loin dans les critiques des objets beaux et fonctionnels. Les designers tels que Sotttsass (toujours), Michele de Lucchi, Andrea Branzi et Matteo Thum proposent des objets délibérément non destinés à la production. Au tournant 1980-1990, le culte de l’objet spectaculaire perd de son ampleur. Le groupe Zeus fondé en 1984, s’oppose au mouvement Memphis et propose des objets se voulant plus modestes.

Lors de ces phases radicales, les différents mouvements dénoncent – 1/la présence d’un style unique 2/l’industrialisation des produits liés aux cycles de production et de consommation des sociétés capitalistes 3/le fonctionnalisme – et soulèvent la question de la beauté, du bon goût et de la fonctionnalité d’un objet.

/Images  1//images 1 - fauteuil Lady - 1951 – Marco Zanuso   2/ “Italy: The New Domestic Landscape“ archives MOMA 3/Ollo collection - Studio Alchimia - Consorzio Esposizione Mobili - Italy, 1978

Anca Iorgulescu est une idéaliste qui croit à l’audace ; qui est persuadé que lorsqu’on n’a pas peur, la seule possibilité est d’évoluer et que la critique ne peut être que constructive si on réussit à se distancer et à utiliser de manière positive les différents retours.

Travaillant en France elle est spécialiste de la gamification et de l’exploitation et l’importation des données dans la création de l’art digital. 

DÉCRIVEZ-MOI LE PROJET

Le projet a été issu d’une volonté d’humaniser la relation entre une marque et ses publics, de la rendre plus personnelle… Dans ce but, en concertation avec mes collègues, nous avons réfléchi à la création de ce livre blanc - Toute la lumière sur l’éclairage déco - pour la marque Laurie Lumière. La construction du livre blanc a été basée sur la proximité, sur un contact direct avec chaque blogueur*. Ensuite, les personnes qui ont participé, ont partagé leurs perspectives.

Pour nous, c’était l’occasion de donner la parole aux nouveaux influencers – nous avons collaboré avec une partie de la blogosphère déco-design – des gens qui vivent avec passion ce qu’ils font. Car inviter des blogueurs à investir du temps pour répondre aux questions de l’interview, ce n’était pas ni évident, ni facile, aujourd’hui ils se professionnalisent, sont des spécialistes dans leurs domaines et, généralement, sont rémunérés pour la rédaction d’articles. Alors investir du temps et de l’énergie est un signe de générosité et de volonté de partage.

QUELLES PERSPECTIVES ?

J’espère réussir à organiser des événements pour les nouveaux prescripteurs qui ne se quantifient pas en Likes et Fans. Je suis persuadée que le monde appartient à ceux qui ne manquent pas d’audace, qui prennent des risques, qui se trompent, qui font des erreurs et qui croient.

Je pense que la démarcation entre virtuel et réel est obsolète : le digital est dans la vie. En termes de stratégie de marque, le défi est de faire en sorte que le passage ne soit pas fragmenté.

*14 blogueurs ont participé à titre gracieux à ce projet

Christophe Veille pense volumes : “à partir du moment où le designer fait de la matière l’un des sujets principaux de ses créations, il ne peut que s’inscrire dans le respect d’un écosystème“.

Pour lui c’est primordial pour l’architecte d’intérieur qu’il est, immédiatement il “endosse le rôle de designer et s’oblige à créer son propre mobilier… ses lignes sont la transposition d’un idéal, issu du fruit d’un long travail. C’est un accord entre l’espace et le meuble, un contact avec la matière recherchée par le designer“. C’est pourquoi, même s’il considère que la « conception d’une chaise est un passage récurrent pour un designer », il préfère créer une signature que l’on retrouve dans ses projets architecturaux et de décoration.

CETTE SIGNATURE EST-CE UNE EXPRESSION DE VOTRE MATURITÉ ?

La pureté, l’élégance et la sobriété sont mes qualificatifs pour mon travail. Mais c’est aussi au fil de mes rencontres et dans mon quotidien que je puise mes nouvelles idées. La maturité c’est avant tout une prise de recul qui me permet d’obtenir au final un effet de plénitude et d’harmonie qui séduit l’œil.

L’épure à son apogée !

Dès lors, des passerelles se tissent entre les inspirations diverses, car le design est lié à d’autres domaines tels que l’architecture, l’art de vivre, la décoration, la vie quotidienne, la culture ou le graphisme… C’est pourquoi l’équilibre est central : les lignes qui composent la pièce doivent être en harmonie entre elles et avec l’espace qui l’entoure. Cette recherche d’un travail abouti et finalisé, réalisé avec goût et précision m’anime. C’est presqu’un espace onirique en accord avec mon imaginaire de designer, qui prendrait en compte le côté pragmatique du design qui plus qu’un art de vivre, s’inscrit aussi dans une utilité quotidienne.

/Image – 1/photos des meubles – Alexandre Nestora 2/ Ze Design Agency

Karl Lagerfeld a choisi de réaliser un projet photographique pour une marque de mobilier Cassina : la vidéo complète du backstage !

Compromis entre les productions individuelles et industrielles : l’artisanat est un mot magique qui déclenche des associations, des sons et des images. Certaines de ces pratiques existent  encore aujourd’hui, mais beaucoup, fondées sur les compétences manuelles et l’expertise, ont disparu ou ont été remplacées par des processus standardisés.

Ces dernières années, un nouvel élan est revenu entre artisanat et design, entre les productions individuelles et industrielles. Dans le secteur du design haut de gamme, où la production à grande échelle n’est pas la norme, où la main réalise, ce qu’aucune machine ne peut exécuter, un nombre croissant de petits labels occupe cette zone marginale entre l’artisanat et le design. Pourquoi ?

Une des explications avancée est que l’expertise d’un artisan, ancrée dans une réalité tangible, est un “mode de vie dans lequel la main et l’esprit, la technologie et la science, l’art et l’artisanat ne sont plus séparés les uns des autres“*. Le Paris Art et de Design (PAD) en est un exemple. Ici se tissent des dialogues inédits entre l’Art Moderne et le Design Historique et Contemporain, les Bijoux. Le trait d’union est la “façon“, la manière dont l’artisant s’empare (ou s’est emparé) du dessin du designer pour en faire un objet, magnifiant les aspirations esthétiques et plastiques de notre époque.

*Jean-Baptiste Fastrez présente des vases miniatures délicatement tournés et montés sur des demi-sphères en métal massif. Ce projet a été l’occasion de dresser un pont entre le savoir-faire traditionnel de Sèvres et des techniques plus contemporaines : les vases sont tournés à la main, les éléments de décors sont découpés au jet d’eau suivant des fichiers numériques. ou aussi toujours à Sèvres  “Un architecte dans l’atelier, Ettore Sottsass“.

Sèvres – Cité de la céramique présente une rétrospective des oeuvres de l’architecte et designer italien Ettore Sottsass (1917 – 2007), réalisées à la Manufacture nationale de Sèvres et au Centre international de recherche sur le verre et les arts plastiques, le CIRVA.

/L’exposition est le fruit de la collaboration étroite de deux institutions dédiées aux arts du feu qui ont offert à cet artiste, dès les années 1990, technique et savoir-faire.

Tiphaine Vasse “slalome entre les différents projets“, cela se traduit par une forme d’interaction sociale, dont le fil conducteur est de créer une émotion ou un questionnement dans des objets du quotidien. “Le dialogue et l’appropriation par l’utilisateur m’intéressent bien plus que l’aspect purement formel“. Son positionnement c’est la bonne humeur, son idée est de créer une sorte de surprise et d’interroger l’utilisateur sur la manière dont il va pouvoir mettre en scène son objet. Que “l’on voit dessous ? qu’on le retourne ? qu’on l’accroche ? est ce que je garde ce secret pour moi et reste dans la suggestion qu’amorce l’objet“ (cf. la chaise avec sa lisière rouge et ses reflets au sol) ?

Q – POUR VOUS UNE CHAISE C’EST QUOI ?

La chaise HAHA s inscrit dans un projet global – marque Wooden – l’idée initiale est de revenir à la créativité : le designer est la liaison entre les artisans, les industriels, et les utilisateurs. L’ensemble des pièces est fabriqué dans le pays destinataire – bois massif, matériaux recyclés ou de deuxième vie – par des artisans locaux. La chaise HAHA s’inscrit dans une gamme d’une dizaine de pièces (chaises, tabouret, table, bureau, console, banc, table de chevet, commode, lit…). C’est un projet ouvert en termes de collaboration et d’évolution continue, et c’est cette indétermination qui est la plus riche. J’aime l’idée d’offrir de la matière pour raconter sa propre histoire.

Q – QUELLES SONT VOS INFLUENCES ?

Mes influences sont évidentes, elles s’inscrivent dans une réflexion globale sur le design démocratique, un certain Bauhaus, inscrit dans une approche environnementale, mâtinée de design scandinave ; et de l’esthétique des années cinquante et de l’esprit des surréalistes. Car une chaise c’est le reflet du quotidien, elle a ce caractère populaire, simple, usité et humble. Elle porte un bagage formel chargé de référents dont la stabilité, le confort, la pérennité… ou ses opposés, elle est le reflet politique de l’époque de sa création.

/Tiphaine Vasse est soutenue par le “Village des Créateurs“ – une structure de développement économique des entreprises de mode, déco, design de Rhône-Alpes. Créé en 2001 à l’initiative de la Ville de Lyon et avec l’aide des syndicats professionnels de l’habillement et du textile, le VDC est situé dans le Passage Thiaffait. / image : 

Quand on pose la question sur son métier et ses ambitions, Anaïs Bretonnet répond malicieusement, ce qui me fait courir “c’est la recherche du sens perdu“… de trouver les déclencheurs d’émotions aussi.

LA CRÉATION ?

Ma passion est de créer en permanence, je dessine des objets mais je n’ai jusqu’à maintenant jamais réalisé de chaise, j’ai plutôt tendance à créer beaucoup de lampes. Je ne travaille pas dans un défi technique, ou par obligation. Ce qui me guide c’est l’histoire à raconter, l’objet n’est qu’une finalité. Je m’inspire beaucoup de l’art japonais. J’aime ses formes simples et épurées, toujours élégantes et sobres.

LE DESIGN ?

En tant que designer et concepteur, nous devons montrer l’exemple. Nous devons nous imposer de faire attention aux matériaux que nous utilisons recyclables et/ou peu consommateurs d’énergie. Cela influe sur la forme, mais surtout sur le sens que l’on veut donner à un objet.

/Anaïs Bretonnet est soutenue par le “Village des Créateurs“ – une structure de développement économique des entreprises de mode, déco, design de Rhône-Alpes. Créé en 2001 à l’initiative de la Ville de Lyon et avec l’aide des syndicats professionnels de l’habillement et du textile, le VDC est situé dans le Passage Thiaffait. / image : Tourbillon 2 © Anaïs Bretonnet. Copyright Indélébile

L’ambition de Rémi Bouhaniche est de “contribuer positivement à l’histoire de notre société“. Il s’inscrit dans une démarche assez traditionnelle, sans influences spécifiques. S’il avoue aimer le travail de Edward Barber & Jay Osgerby ou de François Bauchet, sa volonté est de faire partager les valeurs liées aux qualités esthétiques et humaines des objets qui peuplent son quotidien.

LE DESIGN C’EST QUOI ?

Le design est pluriel et les frontières poreuses, nous devons aller voir ailleurs avec l’ambition de créer des objets offrant un langage commun à toutes les cultures. Moi, j’essaie de développer un rationalisme sensible dans lequel les émotions créent un creuset pour les histoires individuelles. Je n’ai pas envie de m’enfermer dans un système, mais mon travail est influencé par ma communauté, ma culture et la société qui m’entoure.

LA CHAISE, PASSAGE OBLIGÉ ?

J’ai toujours perçu, la chaise comme un objet d’étude qui balaye toutes les problématiques auxquelles nous sommes confrontés. Elle est le baromètre de l’engagement d’un designer, car le design est une question de convictions où nos valeurs personnelles peuvent s’exprimer à tous les niveaux et à chaque étape du processus créatif.

/Rémi Bouhaniche est soutenu par le “Village des Créateurs“ – une structure de développement économique des entreprises de mode, déco, design de Rhône-Alpes. Créé en 2001 à l’initiative de la Ville de Lyon et avec l’aide des syndicats professionnels de l’habillement et du textile, le VDC est situé dans le Passage Thiaffait. / image : Objets brodés collection 2012-01©rémi-bouhaniche

Présentée à Maison & Objet en janvier 2013, le fauteuil HUG s’inspire des lignes années 50 américaines et danoises. Cette assise au contraste marqué entre une coque rigide et une assise généreuse invite “au repos et la lecture propice à l’introspection en somme…“  précise Jean-Marc Gady pour Perrouin.

Lisa Lejeune aime lire et écouter Alexandra Midal, elle partage son avis sur le design qui “est avant tout une idéologie, une manière de penser anticapitaliste !“ Pour elles le design “dans son essence, n’est pas si différent de l’Art en général“ il est donc politique, avec un message, un point de vue, une idéologie…

LE DESIGN ?

C’est la découverte du travail de Matali Crasset qui m’a poussé à faire ce métier. Je me dis tous les jours que j’ai de la chance de l’exercer, d’être designer. Mon bonheur, c’est la diversité des projets, des chantiers et des commandes. Mais également les rencontres humaines. Bien sûr, je n’ai pas assez de recul pour me dire appartenir à un type d’école, mais je me sens proche du travail de jeunes designers qui me touchent comme les Stéphanois d’Atelier 111, Guillaume Delvigne, FX Balléry, le studio Pool…

AVEZ VOUS DÉJÀ CONÇU VOTRE GRAND PROJET ?

Plus un objet est produit en quantité, plus son coût est faible. Dessiner sa chaise oui ! mais pourquoi rajouter un objet à tous ceux qui existent déjà ? cela questionne évidemment sur notre métier. Pour l’heure, c’est le travail que j’ai réalisé aux côtés de Nicolas Autric – La Fabrique pour Euro Conseil – les assises, l’autel, l’ambon, les tribunes, les portes escaliers… de la Sainte Chapelle de Chambery en Savoie. Ce fut passionnant ! Concevoir un mobilier, pour un lieu de culte et d’histoire qui va perdurer et être utilisé pendant par plusieurs générations, c’est très différent que de pondre des objets de production industrielle de masse, que l’on consomme et que l’on met au rebut. Ici, j’ai pu mettre en pratique une notion qui m’est chère : l’appropriation et franchir l’épreuve de passage en concevant la “mienne“… ou plutôt la vôtre !

/Lisa Lejeune est soutenue par le “Village des Créateurs“ – une structure de développement économique des entreprises de mode, déco, design de Rhône-Alpes. Créé en 2001 à l’initiative de la Ville de Lyon et avec l’aide des syndicats professionnels de l’habillement et du textile, le VDC est situé dans le Passage Thiaffait. / image : Natsko – Lisa Lejeune©a_leplatre

Quand on pose la question à Isabelle Gleize – Lyon c’est quoi pour vous ? Elle répond : “c’est un territoire d’innovation où les savoir-faire sont riches. les industries créatives et les bureaux de conception nombreux. Du numérique à la robotique, de l’architecture à food design, de la mode au design graphique, objet, mobilier… C’est une filière rayonnante“.

QUEL RAPPORT À LA CITÉ DU DESIGN DE ST. ETIENNE ?

Nous sommes complémentaires et nous travaillons en lien avec la Cité du Design. Deux exemples : nous présentons à la Biennale l’exposition, “Interaction Mode“ qui renvoient à plusieurs axes de recherche 1/ l’émotion d’un jeu avec les sens 2/ des objets dont la technicité ou le processus de fabrication permet de créer du bien-être, de protéger, voire de soigner. En parallèle à Lyon dans le cadre de Lyon City Design du 14 au 17 mars, nous exposons des « objets jonction » réalisés par des designers adhérents du VDC : Mathilde Alexandre (Mademoiselle Dimanche), Rémi Bouhaniche, Anaïs Bretonnet, Rémi Casado, Maud Garnier (UltraSofa), Lisa Lejeune, Amaury Poudray et Tiphaine Vasse (Wooden). Nous nous inscrivons dans la dynamique “d’empathie“ voulue par la biennale.

LE VILLAGE DES CREATEURS C’EST QUOI ?

Créé en 2001, le Village des Créateurs (VDC) était une pépinière d’entreprises. Notre mission est d’accompagner les jeunes marques de mode, de déco et de design dans leur développement économique : accompagnement entrepreneurial, stratégie commerciale, communication, moyens mis à disposition (newsletter interne, salle de réunion, d’exposition, presse…), organisation d’événements pour faciliter leur rayonnement et leur commercialisation (exemples : récemment une exposition à la Galerie Joyce au Palais Royal, à Paris ; partenariat avec les Galeries Lafayette…), mise en réseau professionnel, site internet de promotion, blog, newsletter grand public et newsletter presse, veille presse…

Progressivement, le VDC devient “pôle d’industries créatives“ au service des TPE du secteur.

/Village des Créateurs du Passage Thiaffait – 19 Rue René Leynaud, 69001 Lyon – 04 78 27 37 21 – Croix Paquet 

La galerie Triode porte un coup de projecteur sur la scène peu connue en France du design américain. Depuis quelques années, Jacques Barret s’efforce de montrer que la scène du design Outre-Atlantique ne s’est pas arrêtée aux Eames ou à Knoll mais, fait émerger des jeunes designers aux pratiques singulières.

Lindsey Adelman présente un lustre monumental composé d’impressionnantes flèches en verre d’un rouge éclatant. John Pomp, à la fois designer et souffleur de verre émérite, a produit plusieurs créations en verre soufflé dans du métal… À côté poursuivant son travail de défricheur, Triode accueille de nouveaux venus dont Matt Gagnon, So Takahashi, Frederick McSwain, Ini Archibong…

Amaury Poudray marche dans une direction précise, animé par l’envie d’exprimer ses sentiments autrement, il « aime les objets, ils sont tellement plus que l’accumulation des atomes » qui les composent.

CRÉER ?

J’essaie d’exprimer le plus justement possible mes intuitions, sensations, certitudes ou mes doutes aussi. Alors doucement (subtilement) je découvre la direction à prendre et je m’oriente vers ceux qui vont accompagner le projet. Mon but est aussi d’orienter le projet vers les solutions plus adaptées.

INFLUENCER !

Mes influences sont multiples. Bien sûr je suis issu de Saint Etienne, où j’ai beaucoup appris avec Eric Jourdan et François Bauchet sur la beauté de la forme et de la couleur. À leur contact, j’ai appris à aimer les personnalités rationnelles et sans concessions comme Claude Levi Strauss ou Pina Baush. Tous m’inspirent par leurs sensibilités aiguës des choses et du (des) monde(s) qui nous entoure (nt). Car une chaise, une table, une sculpture, un livre, peu importe ce qui est créé, ce qui importe c’est le contexte, la cohérence de la démarche et sa pertinence.

Voyez, on peut prendre un même projet et changer son échelle, il deviendra diffèrent.

/Amaury Poudray est soutenu par le “Village des Créateurs“ – une structure de développement économique des entreprises de mode, déco, design de Rhône-Alpes. Créé en 2001 à l’initiative de la Ville de Lyon et avec l’aide des syndicats professionnels de l’habillement et du textile, le VDC est situé dans le Passage Thiaffait. / image : 1/ Croisements©amaury_poudrey 2/Amaury Poudray©Gustavo Millon/Fabrica

Collectionneuse de mobilier depuis ses 20 ans, Agnès Standish-Kentish a le coup de foudre pour l’univers d’Elizabeth Garouste et de Mattia Bonetti. En 1983 elle décide de les éditer, vend sa collection de meubles Art-Déco et fonde “En Attendant les Barbares“. Ainsi voient le jour les icônes d’une époque (pas si lointaine) : lampes Lune, Masque. Après la séparation du célèbre duo en 2001, fidèle Elizabeth Garouste présentera en 2007 à la galerie sa première exposition en solo. “Fragmentations“ : sont ses dessins, ses masques, ses sculptures, toutes choses que la designer, longtemps connue avec son acolyte sous le nom de “Garouste et Bonneti”, expose pour la première fois. “J’ai toujours dessiné dans mon coin, comme délassement. Je dessine sans réfléchir, au téléphone, dans mon lit, dans mes moments perdus, sur n’importe quoi. Cela me libère des angoisses, surtout le soir où tout prend vie, comme les meubles et les objets qui ont toujours été chargés pour moi d’une force tellurique“ dira-t-elle.

/En Attendant les Barbares – Du 21 mars au 18 mai 2013 – 35 rue de Grenelle Paris 7è – Metro rue du Bac.

L’exposition “Charlotte Perriand et le Japon“ est consacrée à l’impact de la découverte de l’archipel nippon sur la designer française. Drôle d’histoire que celle de cette jeune femme, ayant déjà travaillé avec Le Corbusier, intime de Fernand Léger, décidant alors que la guerre est déclarée avec l’Allemagne de s’embarquer pour un autre pays de l’Axe*. Son expérience s’apparente à celle des ethnologues (Malinovski). Dans les photos issues de ses archives personnelles, on découvre un Japon ancré dans le passé et des ingénieurs en kimonos qui entourent cette jeune femme, dont la présence semble tellement exotique en temps de guerre. Mais elle reste fidèle à son intention elle vient puiser ici l’inspiration et lance une passerelle entre les modernistes européens et le minimalisme séculaire japonais. Sa création s’en trouvera durablement marquée et celle de ses contemporains aussi : Charlotte Perriand sort le mouvement puriste de l’usage exclusif des matériaux synonymes de conflits (acier, métal, cuir) et introduit dans le registre des modernistes les matériaux naturels. Second point remarquable : Il est fascinant de voir combien le rythme des brises-soleil de la Cité Radieuse est voisin de celui de la bibliothèque Nuage et comme les formes qui composent les figures des tableaux de Fernand Léger sont semblables au dessin du plateau de ses tables.

*Sa mission au Japon à partir de 1940 ainsi que les liens qui perdurèrent jusqu’à la commande de la Maison de Thé (1993) ont été à l’origine de propositions inédites. Ici, l’évocation de sa première exposition “Tradition – Sélection – Création“ précède la reconstitution de proposition pour une synthèse des arts, organisée à Tokyo. Sont également présentées ses créations personnelles et ses collaborations d’après-guerre avec Steph Simon. Il est vrai que son parcours fait dorénavant parti des livres d’histoire tant il a suivi celui de la seconde partie du XXeme siècle avec ses parts d’ombre et de lumière. L’intérêt de cette exposition est aussi la récréation de certaines pièces disparues.

Avec comme épicentre la Cité*, la huitième édition de la Biennale Internationale Design Saint-Étienne** propose une découverte de l’empathie au travers de l’expérience de l’autre et développe le propos dans une centaine de projets disséminés sur la région.

Mais qu’est ce que l’empathie appliquée au design ?

Nous pourrions comme Thierry de Beaumont remonter au  grec “empatheia“ – passion – ou aux romantiques allemands qui sous l’appellation “einfühlung“ désignaient le processus de relation intuitive au monde. Mais aujourd’hui comment cela s’applique t-il au design et pourquoi la biennale active ce thème. Tout simplement, parce qu’il s’agit de la qualité humaine à ressentir les sentiments de l’autre. L’idée fait tache d’huile et s’applique au designer :  il lui arrive constamment (comme un homme d’étude ou un mercaticien) de se mettre à la place d’autrui pour concevoir des objets de notre cadre de vie (du packaging au mobilier). Mais, dans un contexte où le designer est devenu un médiateur dans des systèmes complexes (entreprises, institutions, villes) l’empathie impose un dialogue avec un usager fictif (ou à venir) où le designer appréhende les besoins de chacun et tente d’apporter une réponse universelle. Métier de contrainte, le design oblige (ou permet) de redéfinir les fondamentaux des modes de vie actuels, de cultiver le partage et la notion de possession et d’usage des objets.

Alors ce thème ouvert est une incitation à visiter la biennale (et la cité du design) 1/ une programmation riche : 50 expositions 2/ St. Étienne sera pendant quinze jours un lieu de ralliement international 3/ c’est la seule ville européenne avec Berlin à faire partie du réseau des villes créatives Design UNESCO, donc c’est un territoire à découvrir.

Parmi les Expositions : “Demain c’est aujourd’hui“ –  “Charlotte Perriand et le Japon“ – “l’âge du faire“ –  “Nano-Ordinaire“ – “Traits d’union“ - “Vous voulez rire“ – “Design Empathy“

*Inaugurée en 2009, la Cité du design, est au coeur de la démarche de gouvernance économique menée par Saint-Étienne Métropole, la Chambre de Commerce et d’Industrie territoriale, la Chambre de Métiers et de l’Artisanat et le Conseil général de la Loire. **Saint-Étienne est la première ville française à intégrer le Réseau UNESCO des villes de design, deuxième ville européenne après Berlin. Les villes créatives UNESCO de design se caractérisent par une industrie du design bien implantée, une stratégie d’organisation de manifestation ou d’exposition consacrée au design, un paysage culturel marqué par le design et l’architecture moderne, et la présence d’une École supérieure d’art et design. /illustration : Mur des jubilations - Ich&Kar propose un projet en 5 pans béton, un bas-relief, échos d’une multitude de rires : rire gras, rire fin, rire soutenu, rire aux éclats… 

La finalité de “Traits d’union“ est de montrer que le designer doit prêter attention à la relation que l’utilisateur entretient avec l’objet, ce dernier n’est pas une entité passive.

L’exposition illustre le rapport empathique de la biennale avec son histoire.

La Cité a toujours été un Lieu dédié au design industriel avant que celui-ci ne porte ce nom. En écoutant les Stéphanois, on perçoit encore qu’ils restent blessés par la disparition de la Manufacture d’Armes, un de leur emblème (avec le vert de Geoffroy Guichard). Huit biennales n’ont pas suffi pour que la cicatrice disparaisse et malheureusement les étudiants permanents et les quatre-vingt-dix mille visiteurs attendus ne replacent pas encore l’ancienne activité mi-industrielle, mi-commerciale de la Manufacture.

Alors les Traits d’union se veulent un modeste hommage au magnifique catalogue où se mêlaient cocotte minute, armes à feu, éclairage, mobilier et vélos… un hommage soutenu par un propos didactique qui organise (en quatre catégories comme un catalogue) l’actualité des objets qui nous entourent avec une ligne directrice forte : leur pertinence à accompagner les changements de notre société (dématérialisation, partage, cogestion, cocréation)  et les progrès industriels liés (nouveaux matériaux, nouvelles normes) selon un rapport emphatique que l’on pourrait qualifier ici d’adaptatif voire symbiotique.

Cité du design – Platine /Commissariat et scénographie : eliumstudio /Du 14 mars au 1er septembre 2013 /image :  Bertrand Médas ID’S, Lampe Spider noire – Vue de face © Blackbody.

Parmi les Expositions : “Demain c’est aujourd’hui“ –  “Charlotte Perriand et le Japon“ – “l’âge du faire“ –  “Nano-Ordinaire“ – “Traits d’union“ -  “Vous voulez rire“ – “Design Empathy“

Quelle place reste-t-il pour l’humour dans le design ?

Jamais autant d’attention bienveillante n’a été portée au design : on analyse, on disserte, on théorise sur cette discipline qui s’intellectualise. Mais le design ne se prendrait-il pas trop au sérieux ? Quand les formes s’épurent, les designers ont quelques réticences à se frotter à l’humour. Pourtant, reconnu d’utilité publique, même François Hollande a été obligé de se débarrasser de ses petites phases qui font la joies de la presse et des commentateurs, cette digression prouve que si la « forme suit la fonction, alors l’humour l’efface » au risque de faire passe l’objet pour un gadget. Mais en ces temps moroses, la légèreté s’avère pourtant essentielle au point que certains éditeurs, comme Alessi ou Moooi y fondent leur identités et que quelques designers en nourrissent leurs créations – Javier Mariscal, Droog design ou les 5.5 Designers (scénographes de l’exposition).

Quatrième édition de “Demain c’est aujourd’hui“. Le propos mis en place par Claire Fayolle depuis huit ans s’attache à mettre au jour les scénarios d’usages et leur retranscription en design industriel. Travaux d’étudiants et de recherche soutenus par des grandes entreprises – Évian, Renault, Citroën, Airbus… les projets offrent une photographie de la recherche, comme la création de vers à soie génétiquement modifiés pour tisser et réparer in vivo un cœur défaillant en le reconstruisant, ou encore balayent les innovations alimentaires (insectes et ou wikicell*). Ces propositions peuvent paraître surprenantes ou issues de scénarios fictionnels (le trou noir de Gaëlle Gabillet & Stéphane Villard, l’auto plus légère que l’homme d’Olivier Peyricot, L’établi Numérique de No Design.net) ou encore sorties du cerveau d’un savant fou. Pourtant certains projets exposés lors des biennales précédentes sont édités aujourd’hui.

Avec “Demain c’est aujourd’hui #4“, le visiteur peut constater qu’en matière d’alimentation, la possibilité de fabriquer de la viande reste d’actualité et que les insectes s’invitent à table ; que l’électroménager inspire des envies d’économie de matière et d’objets ; que la mobilité se fait toujours plus légère ; que la production industrielle évolue vers des solutions variées en terme de concepts comme d’échelles.

*Innovation produit ou travail de designers ? ces futurs aliments de geek sont des gros bonbons (smarties) dont  la coque (le packaging) est ingérable, un peu comme les sacs de poulets à cuire qui deviennent la couche dorée et gustative des volailles rôties. /Demain c’est aujourd’hui #4  /Cité du design – Platine /Commissariat : Claire Fayolle /Scénographie : Gaëlle Gabillet / studio ggsv /Du 14 mars 2013 au 3 juin 2013 /image : ProdUSER, ProdUSER® tristan kopp.

Parmi les Expositions : “Demain c’est aujourd’hui“ –  “Charlotte Perriand et le Japon“ – “l’âge du faire“ –  “Nano-Ordinaire“ – “Traits d’union“ - “Vous voulez rire“ – “Design Empathy“

Attentive et exigeante, incarnation du thème de la biennale,  matali crasset développe son propos face au thème proposé par Elsa Frances. Elle l’illustre par l’exemple de la couverture électrique : “hier consommatrice d’énergie, aujourd’hui grâce aux nouveaux matériaux, elle offre un surplus d’énergie pour une petite lampe ou un réveil, ce sont dans ces Nano détails que se situe le rapport emphatique avec notre environnement direct“. Devant les neuf scénarios développés le visiteur peut se sentir un peu désemparé, mais il faut accepter l’idée que l’intention conceptuelle est primordiale pour matali, car ici pas de solutions existantes ou nouvelles, mais un jeu où l’on ouvre le champ à une exploration future*.

*En parallèle à Saint-Étienne, ce sont les enfants qui dessinent et imaginent des lieux d’apprentissage, sur la base de scénarios proposés par matali crasset. Le projet Nanocity leur propose de dessiner ensemble une ville. Ils définissent les différentes composantes de l’urbain. Puis ils sont invités à donner des formes graphiques à ces éléments. Enfin, la ville est construite en reliant leurs dessins les uns aux autres.

/Cité du design – Bâtiments H /Commissariat et scénographie : matali crasset, avec Paul Louis Meunier (conseiller scientifique) /image : scénario 5, illustration récit d’anticipation : double arbre généalogique préventif et micro-prélèvements, matali crasset, Le nano-ordinaire, 2012. 

Parmi les Expositions : “Demain c’est aujourd’hui“ –  “Charlotte Perriand et le Japon“ – “l’âge du faire“ –  “Nano-Ordinaire“ – “Traits d’union“ -  “Vous voulez rire“ – “Design Empathy“

Il faut tout le talent de Laurent Denize d’Estrées pour fédérer toutes ces énergies autour de ce (très) bel objet de communication. Dans son sillage et celui de 14 septembre, il entraîne son groupe de designers vers une mise en lumière plus que jamais d’actualité au moment où les pouvoirs publics s’attachent au design. Mercredi le ministre de la culture (Aurélie Filipetti) a développé lors son intervention inaugurale de la biennale, les trois thèmes qui vont structurer le soutien des ministères de tutelle : culture, redressement productif, économie numérique, recherche et enseignement supérieur. Jamais notre profession n’a fait l’objet de tant d’attention. Les trois mesures sont 1/création d’un statut spécifique pour les designers free-lance 2/mise en place d’un master design commun a toutes les filières privées et publiques 3/sensibilisation des plus jeunes au design.

Issu d’une intention de communication, l’exposition “l’Âge du Faire“ porte bien son nom*. Pertinente, elle est le regroupement des tendances et des métiers qui composent la profession ; mixte de personnalités depuis les minimaux “normal studio“ jusqu’à l’exubérante Helena (Itch&Kar) en passant par le truculent Marc Bretillot sous l’égide de “Citizen“ Laurent tout est réuni pour offrir au visiteur qu’il soit ministre ou amateur, une image du design en 2013. Exposition classique, mais lorsqu’on discute avec l’un ou l’autre des membres de cette association tout prend un relief différent à l’image du mur des jubilations.

*L’association Particule 14 participe à la Biennale au travers de sa quatrième exposition. “L’âge du Faire“ explore l’urbain avec des objets, pièces de mobilier et installations en acier et béton léger. Exposition réalisée grâce à la collaboration et aux savoir-faire de La Tôlerie Forezienne et Concrete LCDA.

/Cité du design – Bâtiments H /Commissariat et scénographie : Particule 14 /image : Miroir urbain, paravent urbain, Normal Studio & la Tôlerie Forezienne, tôle inox polie miroir, 2012-2013 Crédit : Normal Studio. 

Parmi les Expositions : “Demain c’est aujourd’hui“ –  “Charlotte Perriand et le Japon“ – “l’âge du faire“ –  “Nano-Ordinaire“ – “Traits d’union“ - “Vous voulez rire“ – “Design Empathy“

The Dream Team revisite le concept de “Design Empathy“ inventé par l’architecte Richard Neutra. Ce dernier a forgé cette notion après avoir observé le mobilier du bureau de Sigmund Freud et la façon dont il s’en servait pour susciter des processus de libre association à ses patients. C’est une fois installé sur la côte ouest des États-Unis que Neutra prend en compte les exigences émotionnelles, psychologiques et environnementales les plus variées pour concevoir un design de l’empathie.

Cité du design – Bâtiments H /Commissariat : Alexandra Midal /Assistant : Mathias Zieba /Scénographe : Adrien Rovero  /image : Dip in Space. 2011. © Baptiste Coulon – Mathieu Guilbaud, Maxime Baillard, Fabio Colucci, Maurane Jullien, Giancarlo Mino, Femke Vautier, Noëmie Vauthey, Laure Bretagnolle /Bachelor architecture d’intérieur, Master espace et communication, HEAD-Genève. 

Parmi les Expositions : “Demain c’est aujourd’hui“ –  “Charlotte Perriand et le Japon“ – “l’âge du faire“ –  “Nano-Ordinaire“ – “Traits d’union“ - “Vous voulez rire“ – “Design Empathy“

Ingénieur des Arts et métiers, Steph Simon (1902-1982) devient, au sortir de la seconde guerre mondiale, l’agent commercial de l’Aluminium français. C’est dans un contexte de reconstruction et de nécessité d’habitat à bon marché, favorables à la production industrielle qu’il se lie à Jean Prouvé et Charlotte Perriand qui lui confient la promotion de leur création innovante.

Stéph Simon va jouer un rôle central pour favoriser la production en série de l’habitat collectif. Alors qu’il édite les équipements collectifs des cités universitaires internationales de Paris et d’Antony, il décide en 1956 d’ouvrir une galerie au 145 boulevard Saint-Germain à Paris, où il expose les modèles exclusifs des futurs grands noms du design français.*

Novateur et téméraire Steph Simon fut un véritable précurseur du mobilier moderniste**. L’ouverture de sa galerie demeura un phénomène nouveau, où Les architectes intérieurs collaborateurs s’engagent à créer dix modèles standards par an et à les adapter au gré des commandes, d’où certaines pièces rarissimes.

*luminaires de Serge Mouille, vaisselle de Jean Luce, vases de Georges Jouve, grès de Pierlot, tapisseries de Simone Prouvé – puis les luminaires en papier d’Akari Isamu Noguichi (1963) – tabourets de Sori Yanagi… **En 1974, Steph Simon revendra sa galerie à Henri Machet, l’un de ses collaborateurs. C’est à lui que François Lafanour (Galerie Down Town) a acheté les 700 plans, 300 photos, factures, bons de commande, projets composant les archives de la galerie. /Images - 1/ extrait du catalogue de restropsctive Galerie Downtown, “Steph Simon: Retrospective 1956-1974″ 2/ Steph Simon

La marque Kvadrat s’est associée à Jonathan Levien et Nipa Doshi (studio de design Doshi Levien) pour la création d’une installation valorisant les qualités de la laine. Le duo s’inspire des ateliers de théâtre de l’école du Bauhaus et imagine des formes géométriques, évocation de ces personnages costumés en tissus en laine*

*Hallingdal 65, Divina MD, Divina 3, Molly, Steelcut Trio 2, Remix 2 et Willow). Présentée au showroom Kvadrat de Stockholm à l’occasion du Stockholm Furniture Fair, l’installation Wool Parade voyagera à travers l’Europe, elle est attendue en septembre 2013 à Paris.

Trois traits d’identité qui sont à l’évidence des incitations à la dématérialisation.

Ils laissent deviner que le numérique apporte une solution plus satisfaisante aux besoins : 1/ l’indexation et le caractère agrégé du contenu – indissociable des possibilités de recherche, ils bénéficient à plein de la puissance du numérique 2/ la fraîcheur : les révisions multiples possibles à bas coût 3/le système ouvert pour un avantage face à un lectorat actif (étudiants, chercheurs, groupes de lecture, etc.) qui souhaite disposer d’un support quels que soient l’horaire ou le lieu géographique*.

Mais,

Une vigilance toute particulière doit être portée à la concurrence nouvelle qui pourrait s’exercer entre les détenteurs de droits (auteurs et éditeurs), dont la rémunération de la création doit être préservée et valorisée, et les détenteurs d’accès et de réseaux, qui n’ont pas nécessairement intérêt à la valorisation des droits de propriété intellectuelle.

*Patino Bruno. Rapport sur le livre numérique. Ministère de la culture et de la communication, juin 2008, PDF, 71 p.


Ikea vient de lancer “People and Planet Positive“ un projet de refonte globale de son mode de fonctionnement en matière de dépenses d’énergies, de logistique, de matériaux utilisés pour ses produits et surtout de discours de marque… “Nous voulons créer une vie meilleure tous les jours. Une vie basée sur la responsabilité et l’engagement dans le durable“, Mikael Ohlsson, Président et CEO d’Ikea Group lors de l’annonce officielle du projet*. Le projet, qui se veut un véritable changement en interne, repose sur 3 commandements : /1 – vers plus de responsabilité - Ikea veut inspirer et offrir une nouvelle génération de produits qui fera économiser de l’argent et utiliser moins d’énergie. Pour ce faire, l’inéggralité des infrastructures seaà bientôt éclairée sous LED, réduisant ainsi la consommation d’électricité de 85 %. Cette transformation en interne servira évidemment de communication /2 - énergétiquement indépendant - Ikea a l’intention de devenir totalement indépendant en fabriquant sa propre énergie. Le coût est estimé à 1.16 milliards d’euros englobant l’installation de panneaux solaires et d’éoliennes à toutes les infrastructures de l’enseigne /3 – un nouveau mode de vie - Ikea met en place une pédagogie permettant de réduire la dépense énergétique, le groupe suédois veut aussi changer la vie des consommateurs. Des règles basées sur le mieux vivre en communauté. Les donations et les différentes aides associatives vont aussi augmenter. Un changement majeur qui aura besoin des 8 années à venir pour se mettre en place et surtout fonctionner…

Le projet Ikea est ambitieux et répond clairement à une demande croissante des consommateurs d’un véritable changement des marques et des entreprises. On en reparle dans 8 ans…

*Le changement a déjà commencé aux États-Unis. 34 bâtiments (magasins et entrepôts) sont déjà équipés de panneaux solaires, plaçant ainsi les USA au 1er rang des pays verts du réseau.

Le risque est défini par deux composantes, une négative et une positive : le danger et l’opportunité**.

Ici, l’entreprise “tire sa valeur de la stratégie numérique qu’elle met en place“ de la numérisation de ses activités, ses produits, ses process ou de ses clients. Quatre branches de risques :

… liés aux ressources humaines, du fait de la rupture des usages : changements dans les habitudes, manque d’adhésion ou rejet du projet, risques sociaux et “sclérose des compétences“.

… éthiques et juridiques, à la fois au respect de la vie privée, à la confidentialité des données et à l’authenticité des documents numériques. À cela s’ajoute la gestion des contentieux commerciaux liée au lieu de stockage des données (ex. les serveurs de données situés aux États-Unis sont soumis au Patriot Act).

… liés au contrôle et à la maîtrise du système d’information, par définition, plus l’information est fluide, plus elle est rapide, et moins on en a le contrôle !

… liés au patrimoine numérique, conservation numérique des données (vieillissement des supports, évolution des formats), valorisation financière du patrimoine numérique, pérennité et garantie des produits numériques. perte de contrôle du produit dû à la dématérialisation des flux.

* Le risque, lui, peut se définir comme la conjonction d’un aléa et d’un enjeu. L’entreprise numérique peut se définir comme une entreprise qui tire une part de sa valeur de la numérisation de ses activités, ses produits ou ses clients. **Le CIGREF, réseau de Grandes Entreprises, a été créé en 1970. Il regroupe plus de cent très grandes entreprises et organismes français et européens de tous les secteurs d’activité (banque, assurance, énergie, distribution, industrie, services…).

À l’heure du cross-média et de l’Internet, il est difficile de délimiter précisément le périmètre de la presse écrite* et de ses champs d’activité.

Ce que l’on sait, c’est que la presse quotidienne a gagné plus d’un million et demi de lecteurs depuis 2007**. Chaque jour, en France, 24,3 millions de personnes lisent au moins un titre de presse quotidienne. Du côté de la presse magazine, on dénombre 48,6 millions de personnes à lire au moins un titre par mois. Le nombre de titres lus augmente également. L’audience de la presse magazine baisse pourtant pour les périodicités longues (bimestriels et mensuels). Parallèlement on assiste à une érosion régulière des ressources publicitaires, avec un phénomène d’accélération depuis 2007 (CA : 2007 : 4,757 milliards € ; 2008 : 4,582 milliards…).

*Différentes familles : presse quotidienne nationale, presse en région, presse magazine, presse spécialisée, agences de presse, imprimerie-routage, presse gratuite. **Chiffres : Observatoire de la presse écrite, en 2012 le secteur compte 2 203 entreprises employant 84 736 salariés. 93 % de PME de moins de 50 salariés. CA : 56,1 % proviennent des ventes, 43,9 % des recettes de publicité. La diffusion : 7,071 millions d’exemplaires, dont journaux gratuits (+ 27 % entre 2005 et 2012).

En 2010, dans un article intitulé “The web is dead”, Chris Anderson (Wired) prévoyait la fin de l’internet ouvert, au profit d’un réseau morcelé fonctionnant de plus en plus par applications.

Gratuites ou payantes les applications servent à tout : jeux, musique, réseaux sociaux, information… L’enjeu est simple “proposer des formats de contenu adaptés aux terminaux mobiles, sous peine de perdre une partie de leur audience”.

Une étude d’AT Internet, cabinet spécialisé dans la mesure d’audience du net, montre que cette prédiction est en train de se réaliser. Le trafic moyen des sites web en France s’essouffle, celui des applications explose. Internet se transforme en un espace limité formé d’une juxtaposition de fenêtres peu interopérables.

Quelques chiffres : L’étude révèle que la fréquentation des sites web au quatrième trimestre 2012 comparée au même trimestre 2011 a diminué en moyenne de 1,8 % en France. Le mois de janvier a notamment vu une baisse de 5,5 % du trafic par rapport au même mois de l’an passé, et 63,4 % des sites a vu leur fréquentation diminuer. Parallèlement, depuis un an, le trafic des applications a augmenté de 57,5 %. 62 % des applications ont un trafic en hausse, et 25 % d’entre elles enregistrent un accroissement supérieur à 100 % ! Une progression qui ne semble pas près de ralentir : d’après le cabinet spécialisé dans les nouvelles technologies IDC, le nombre d’applications téléchargées par an dans le monde devrait passer de 10,7 milliards en 2010 à 183 milliards en 2015. L’engouement pour les applications s’explique tout d’abord par le boom des instruments mobiles, smartphones (472 millions d’unités vendues en 2011 + 58% par rapport à 2010) et tablettes (119 millions vendus en 2012 + 98% par rapport à 2011).

Lorsque l’on pose la question à Benoît Convers sur son objet fétiche, sa réponse fuse “celui que l’on se dispute lors d’un héritage“.

L’ensemble de son travail s’articule autour des liens qui se tissent entre une personne et “ses“ objets. Ibride, sous sa direction créatrice, creuse un sillon unique, « hors tendances“.

Q – POUVEZ-VOUS NOUS DÉCRIRE VOTRE PROJET ?
Nous n’hésitons pas à “sampler“ des formes issues du passé pour les transplanter dans une contemporanéité particulière. Dans d’autres collections nous avions exploré les secrets partagés entre quelqu’un et “son“ meuble, les fonctions cachées… Aujourd’hui c’est par le regard que nous activons cette complicité. Il s’agit d’une série de fauteuils visuellement complexes, dont les sinuosités spatiales, les calligraphies de hêtre noir semblent receler un mystère, un sens caché. Anamorphoses, elles s’ordonnent visuellement en un seul point, en une silhouette surgie de notre mémoire. Clin d’œil fugitif, comme par ironie, les trois silhouettes cachées dans ces assises nous rappellent des icônes fondatrices des principes modernes : l’ascèse religieuse des shakers, la simplicité philosophique du zen chinois, ou les intuitions modernistes d’Otto Wagner !

Q – IBRIDE ?
Ibride est en marge de l’exercice habituel du design de mobilier – la totalité de la production est conçue en interne – avec l’ambition de construire une histoire, dans laquelle chaque objet ou meuble intervient comme un personnage : « chaque projet m’ouvre la porte de nouveaux ateliers, me permet de rencontrer de nouvelles personnes, de nouvelles compétences. Mon rôle consiste à demander l’impossible, à contrarier les habitudes pour détourner les outils de production. Car un objet est un bon objet quand il satisfait non seulement la personne qui le possède, mais aussi tous ceux qui ont partagé son existence : ceux qui l’ont conçu, qui le fabriquent, ceux qui l’emballent, l’expédient, le vendent. Mener un projet à bien, c’est convaincre tous les intervenants, fédérer les énergies, exiger l’excellence de chacun – c’est la raison pour laquelle nous avons créé un réseau serré de compétences multiples, dans un périmètre proche de l’atelier.

Notre satisfaction est de “construire local“, tout en suscitant les émotions, l’enthousiasme des plus belles galeries et showroom de lointaines mégapoles – nos plus beaux points de vente sont à Singapour, Beijing, Tokyo, Mexico ou São Paulo – est une réelle satisfaction personnelle.

Le Mobilier sculptural de Vincent Dubourg est vaguement familier, pourtant il le déforme à travers sa nouvelle approche des matériaux et des techniques.

Il fusionne les techniques artisanales du soufflage du verre, du bois courbé et de la fonte. Cela lui permet de donner vie à des formes simples. Prenant souvent un objet trouvé comme point de départ, il établit un équilibre délicat en introduisant une impression de mouvement aux meubles réputé stable par nature et usage. Vincent Dubourg offre une nouvelle perspective à la conception des meubles en subvertissant les classiques aux formes fonctionnelles.

COMMENT DÉFINIRIEZ-VOUS VOTRE DESIGN ?

Ma démarche est plus de déconstruire l’idée et la vision que de construire un objet pour un objet. Comme un sculpteur je prends ma matière, l’objet, je tords, retourne, je casse une vision éducative et y intègre des manières de voir autre chose, de savoir qu’il y a de la place entre les choses et partout autre part. J’amène des visions pour qu’elles habitent le quotidien. L’objet est le quotidien et il est important d’amener l’art dans un toucher permanent. Contrairement à se satisfaire d’un décor imposé, je propose de vivre et de voir entièrement l’envers du décor. Le quotidien n’est pas ordinaire, on y est comme un voyage.

VOUS PLACEZ-VOUS DANS UNE ÉCOLE DE CONCEPTION PARTICULIÈRE ?

L’école ! Je connais surtout la cour de récré, on y est plusieurs à écrire à la craie comme pour la marelle une cafetière en forme de DesignArt. Mais, je travaille depuis plus de huit ans avec la  galerie Carpenters Workshop avec qui on fait un grand travail “sans pesticide“.

Soutenu par des leaders mondiaux et un écosystème de PME et ETI innovants, le numérique représente une valeur ajoutée de 60 milliards en 2009, soit 3,2 % du PIB français, plus du double en 2015, 25 % de la croissance

Le rapport McKinsey* démontre l’impact d’Internet sur l’économie et l’emploi. La notion de filière (le numérique) ne rend compte que d’une partie des effets induits par le numérique sur l’économie. “Depuis les Etats-Généraux de l’Industrie, le gouvernement a pleinement pris conscience de l’importance de l’enjeu autour de la notion de filière industrielle**. “C’est pourquoi le Comité Stratégique de Filière STIC de la conférence nationale pour l’industrie (CNI) travaille à la création d’un observatoire pérenne du numérique et des STIC dans notre pays“***.

*Rapport McKinsey – impact du numérique sur l’économie : la partie immergée de l’iceberg – septembre 2011. **Pierre Gattaz, Président de la FIEEC (Fédération des Industries Électriques, Électroniques et de Communication) ***Guy Roussel, Président du Comité Stratégique de Filière STIC de la CNI (Conférence Nationale de l’Industrie)

La série Lathe – Galerie Carpenters Workshop en 2008, revient sur cette fascination d’origine. La rotation est visible sur les profils exagérés de la table et sur les couches concentriques de tourbillons qui constituent sa surface. Sebastian crée un équilibre esthétique de la structure entre convention et innovation. “Mon travail présente la façon dont les choses se déplacent même quand l’objet ne bouge pas“. Par là, il défit la tradition qu’il emploie : chaque travail est d’abord sculpté à la main avant d’être moulé. Dans le même temps Sebastian Brajkovic utilise les techniques du numérique. “Mes influences vont du classique à l’art contemporain, du futurisme aux films d »Andrzei Tarkovski, c’est pourquoi j’aime que les choses se transforment rapidement“. Mais nous ne nous trompons pas : de l’extension de pixels à la distorsion des images, il existe une distance réelle entre le regard et la sensation délicate de ses œuvres. Souvent composées de bronze, elles sont trop lourdes pour être soulevés sans aide mécanique.

/image -  série Lathe - Galerie Carpenters Workshop

Dans les prochaines semaines, l’INA (INAMedia) va poster quelque 57 000 vidéos sur la plate-forme (propriété de Google).

“Ces vidéos représentent près de 60 ans de programmes télévisés aussi bien sportifs (Tour de France, etc.) artistiques (interview de Dali, ouverture du Festival de Cannes en 1947, etc.) ou encore de société (JT de mai 1968, etc.)“ Cet accord permet à l’entreprise de diversifier son audience tout en conservant la pleine maitrise de sa politique éditoriale. Pourtant on revient de loin, en 2010, l’INA (Institut national de l’audiovisuel) fait condamner Youtube pour contrefaçon devant le tribunal de grande instance de Créteil – l’INA a signalé, à la fin de l’année 2006, que près de 3 000 vidéos lui appartenant étaient diffusées sur cette plate-forme de vidéos, d’une manière illicite. Le 14 décembre 2010, YouTube, filiale de Google, est jugée coupable de contrefaçon et condamnée par le TGI de Créteil à verser 150 000 euros de dommages et intérêts à l’INA, pour compenser le préjudice d’une diffusion internationale de 700 titres sur une période de 4 ans. Par ailleurs, le tribunal exige que YouTube mette en œuvre “un système de filtrage efficace et immédiat des vidéos dont la diffusion a été ou sera constatée par l’INA“.

Pourtant

Le tribunal de grande instance (TGI) de Créteil reconnaît à YouTube le statut d’hébergeur, car l’INA n’est pas productrice de toutes les œuvres qu’elle diffuse, elle dispose des droits lui permettant de contrôler l’exploitation des archives de la radio et de la télévision publiques. C’est sur la base de cette décision et des accords signés sur les droits des auteurs des “œuvres qui sont mises à disposition sur le site de Youtube avec l’accord des producteurs, ou à l’initiative de ces derniers“ que la diffusion est lancée aujourd’hui. Un accord qui suit celui conclut en 2007 avec Dailymotion (diffusion et monétisation). L’INA ne peut plus faire l’impasse sur YouTube, cette fenêtre d’exposition, avec ses 800 millions d’internautes.

Le design est une discipline relativement jeune qui insiste sur ses origines et ses liens avec l’industrie, c’est aussi uns et des moyens de s’engager avec le monde artistique via la conception.

Mais, contrairement à l’art, le design n’est pas un singulier. Il existe des éditions limitées ou uniques , mais c’est souvent un processus coopératif impliquant la division du travail qui est en œuvre. On le voit, le design a toujours fait l’objet d’autoquestionnement et d’autoassurance. C’est une discipline qui a des normes contraignantes qui les rendent vulnérables à toutes sortes d’interprétations et des lectures. Deux raisons principales : la saturation et le besoin de valorisation. En utilisant les théories d’Abraham Maslow et sa hiérarchie des besoins, il semble que nous ne soyons pas loin d’un degré de saturation : il est moins une question de faim, que d’appétit. Nous vivons dans une société qui a tout, mais nous en sommes à critiquer les attitudes face à l’environnement ou nos habitudes de consommation. Ce dilemme est important surtout pour les jeunes créateurs engagés : pourquoi devrions-nous continuer à concevoir les choses dans un monde qui a déjà tout ? Car aujourd’hui, la rareté et les lacunes ne sont plus aussi visibles qu’à l’époque de Roger Tallon. Ces constatations sont liées à l’observation d’un changement profond en cours, à savoir l’interpénétration de l’espace public (sites Web, blogs, expositions, magazines, catalogues, etc.). Ce changement a ses bons côtés, mais cela donne lieu à une forme indirecte de discorde : je publie (j’édite) donc je suis.

Ce changement doit être compris comme un modèle de comportement et non comme une position coordonnée sur l’enseignement. Mais le fait est que les approches pédagogiques se déplacent de plus en plus loin du véritable noyau de notre profession, pour n’être liée qu’à son besoin de médiatisation, des projets et des étudiants.

À côté des canaux physiques traditionnels (face à face, téléphone) s’est installée une alternative : des canaux technologiques qui introduisent “une dimension relationnelle qui raffermit la relation entre l’entreprise de service et ses clients (Rolland 2003).

Le comportement multicanaux du consommateur est-il une simple évolution ou constitue-t-il une véritable révolution ? “L’expérience du client doit être considérée cumulativement à travers tous les canaux d’interactions“. Pour les entreprises, c’est surtout le mode le plus opportun d’exploiter ses avantages ou ses éventuelles synergies avec l’existant. Pour le consommateur, c’est plutôt la modification de son comportement face à la pléthore d’informations et la multiplicité de l’offre qui sont en question.

Quel est l’impact des différents canaux utilisés par le client sur sa satisfaction globale* ? 40 % des personnes interviewées émettent l’idée que le choix des différents canaux dépend de la situation ou de l’urgence du moment. Différents facteurs influencent le choix du client des différents canaux de distribution de services : le type et la nature de l’opération, les variables individuelles et situationnelles (pression temporelle, situation du moment)**. Les canaux virtuels ont des spécificités que les canaux physiques n’ont pas : l’efficience ou la capacité du consommateur de trouver l’information désirée avec un minimum d’effort. Avec, trois principaux bénéfices associés : pratique, psychologique, ludique, Internet redéfinit les concepts de satisfaction et de qualité de service face au multicanal.

Depuis l’apparition du Web, de nombreux chercheurs et praticiens se sont interrogés sur le véritable impact de ce nouvel outil, qui combine à la fois les caractéristiques d’un média puissant et d’un canal de distribution différent. Une simple conséquence : la plupart des enseignes ont progressivement évolué et proposent dorénavant leur offre par l’intermédiaire de tous les canaux de distribution.

*Décrite comme un construit “évasif et abstrait“, la qualité de service est associée à la satisfaction : un “état psychologique“ résultant d’un processus dual cognitif et affectif. **Chaque canal a une vocation ou une dominante particulière : pour des opérations de conseils élaborés, des opérations spécifiques, un sujet important, rare, compliqué, exceptionnel, c’est l’agence qui est utilisée. Pour des opérations simples, standards, classiques, les canaux à distance sont plus consultés. ***Étude exploratoire, réalisée auprès de clients et d’experts de banque, a permis d’identifier les principaux facteurs influençant le choix du client des différents canaux de distribution. Anne Marianne Seck Ater – Laboratoire Grefi – Cergam – Université Paul Cézanne (Aix-Marseille III) – 2011.

“Du haut de ses 84 printemps, une grande dame nous a quittés. D’une exigence folle avec elle-même comme avec les autres, elle se réclamait à la fois d’un minimalisme proche de l’ascétisme et d’un sens de la perfection qui l’ont conduite tout naturellement dans l’univers du luxe. Sa curiosité insatiable et son éclectisme revendiqué laisseront la trace d’un art de vivre déterminé par la soif de culture. Sachons en retenir la leçon.“ C’est en ces mots que Angès Kentish* rend hommage à son amie Andrée Putman.

De Prisunic, en passant par le Concorde, pour suivre le Morgans (première boutique-hôtel), jusqu’à dernièrement Pleyel**, designer et architecte d’intérieur, élégante, affranchie, espiègle, rigoureuse, sensuelle, libre, intemporelle, sobre, talentueuse, elle a créé “de belles choses accessibles à tous“ puis les a chargées d’embellir et d’adoucir notre vie.

*Agnès Standish-Kentish, fondatrice de la galerie En Attendant les Barbares rend hommage à son amie Andrée Putman en présentant “Les boites d’Andrée“ : pièces personnelles - 35 rue de grenelle 75007 Paris – **Portrait d’Andrée Putman réalisé par Arnaud Marion (Directeur Artistique des Pianos Pleyel) - fête de la musique à l’Elysée présentation du piano Pleyel “Voie Lactée“.  

Le passage au Web a un impact sur le contenu rédactionnel, la temporalité, la gestion du flux (écrit et photo ; écrit-photo + Web ; écrit + vidéo).

Il implique une gestion totalement renouvelée de l’information en continu et oblige le journaliste à changer d’étiquettes :

1/ Les journalistes doivent écrire pour et sur le Web ; apprendre à référencer ; apprendre à coopérer ; se former à d’autres médias ; à devenir un médiateur ; à être un animateur de communauté. Le numérique impose de trouver de nouvelles modalités : auto apprentissage, transmission par imprégnation, capillarité, tutorat, coaching, développement d’organisations apprenantes.

2/ La valorisation des archives impose le référenceur, dont les compétences sont analogues à celles des documentalistes. La tendance est à la convergence !

“Pour moi le style c’est une attitude. Ce n’est pas s’approprier un vocabulaire formel et le répéter. C’est une façon de prendre les problèmes et de les résoudre.“ 

Cette citation de Jean Nouvel éclaire, la méthodologie de l’architecte et la manière dont il est parvenu à définir l’exclusivité de ce projet pour “un commerçant avec des idées“. Car pour Franck Argentin le design est un style de vie. Il est partout, aussi pertinent dans l’espace urbain que dans la maison, où, de la cuisine au jardin, il a requalifié, simplifié et réévalué les gestes du quotidien.

QUELLE EST VOTRE DÉFINITION DE VOTRE MÉTIER ?

Défricheur de talent, j’aime faire connaître et aimer le design et le travail des designers en créant des shows rooms comme autant de lieux de créations, de rencontres, d’expositions, de vies*.

PHILIP STARK & RBC ?

RBC est l’acronyme de Rayonnage, Bureau, Collectivité**, Philippe Starck n’est pas étranger à ce choix, c’est sur ses conseils que le nom a été conservé. RBC est un tremplin, un zoom sur les créations du moment, un lieu avec une grande signature qui devient lu- même un manifests d’architecture et du design en France. Il y a déjà 25 ans, il fallait concevoir un lieu qui mette en lumière la dimension culturelle du design et la meilleure manière de le faire était de faire appel à un expert du domaine.

Pour moi il s’agit d’une évidence : faire découvrir à nos clients Philippe Starck, Alberto Meda, Antonio Citterio, Patricia Urquiola, Ron Arad, Christophe Pillet, Ferruccio Laviani, Piero Lissoni, Jakob + MacFarlane, Jean Marie Massaud, Jean Nouvel…

JEAN NOUVEL ?

Il est pour moi aujourd’hui le plus grand architecte du monde. Il y a maintenant dix ans, je me suis promis de faire appel à lui. Lorsque le projet de la nouvelle Mairie de Montpellier a abouti, j’y ai vu une opportunité de concrétiser ce rêve. En 2008, je lui ai téléphoné le jour où il apprenait sa nomination pour le Prix Pritzker et il a accepté !

Pour la façade, j’ai sollicité Yann Kersalé pour le suivi de chantier Nicolas Cregut et Laurent Duport. Le résultat est l’aboutissement de cette conjonction de talents. C’est un travail collectif superbement mené. Des expertises complémentaires. Pour moi, un architecte crée des bâtiments et des lieux de vie, un urbaniste donne une direction à une ville ou à un quartier souvent en cohérence, le designer lui dessinera le mobilier urbain, les bancs, les éclairages… l’éclairage c’est la liaison. Un choix assez conforme à mon entreprise : dans mes équipes, j’ai des spécialistes du mobilier pour le particulier, des lighting designers, des professionnels du mobilier professionnel, des libraires livres et objets. Tous n’ont qu’un seul but : la création et l’innovation à travers le design.

LE RÉSULTAT ?

Prouesse technique, le bâtiment est soutenu par une immense structure métallique en H, qui s’élève à 18 mètres du sol, d’où cette transparence très spectaculaire. De l’extérieur c’est une simple boîte, il faut pousser les portes pour voir l’opacité se muer en transparence et découvrir « l’étagère à meubles“. S’y retrouve des classiques du contemporain Easme, Panton, Le Corbusier, Saarineen, Rietveld des créations contemporaines Jean Marie Massaud, Patricia Urquiola, Bouboulec… et à des « nouvelles pousses » comme Inga Sempe, Née Duchaufour, Benjamin Graindorge, Pool…

*Le réseau de distribution RBC figure parmi les artisans majeurs de cette mutation en France. 25 ans après l’ouverture à Nîmes du premier showroom signé Philippe Starck, dorénavant le lieu est signé par Jean Nouvel et mis en lumière par Yann Kersalé. Une intention qui demeure aujourd’hui encore, la marque de fabrique de RBC – Montpellier / Antonio Citterio – Avignon / Christophe Pillet – Montpellier / Piero Lissoni – Gallargues / Crégut + Duport – Lyon / Jakob MacFarlane. **Aujourd’hui, 70 % du chiffre d’affaires est réalisé par l’aménagement privé ; 15 %. aménagement des bureaux ; 15 % projets de collectivités et d’hôtellerie.

Commerciale, corporate*, l’état de la communication est un fantastique miroir qui permet de diagnostiquer une entreprise.

Cette nécessité provient d’une évolution : le niveau d’expertise croissant des consommateurs et donc leurs facultés de plus en plus élargies à influencer le cours des entreprises et de leur développement. Ce sont ainsi toutes les fonctions de l’entreprise qui se trouvent désormais investies d’une nécessaire mission à communiquer sur les terrains financiers, social, sociétal, environnemental, organisationnel…

On voit alors se renforcer la nécessité de développer deux types distincts de communication et pourtant étroitement liés : la communication commerciale et la communication corporate ou entrepreneuriale. Désormais, l’image d’entreprise performante résulte tout autant des engagements commerciaux, sociaux, institutionnels et financiers qu’elle prend et sait tenir. C’est pourquoi, la communication commerciale et corporate doit être l’expression d’une éthique de la transparence et de la vérité démontrables. Le poids décroissant de l’image commerciale et le poids croissant de l’image corporate au sein des enjeux de communication de l’entreprise moderne conduiront à poser le problème de la gestion globale de l’ensemble du système de communication.

*La communication commerciale permet de connaître l’opinion du marché des publics commerciaux au titre de l’offre/demande de produits.

Nous assistons au développement d’applications ,pour téléphones mobiles de nouvelle génération, pour gérer des programmes de fidélité.

Ces applications permettent de stocker les points lorsque le téléphone portable est scanné sur un terminal lors du passage en caisse. 2012 : le point de bascule. 96 % de la population déclare avoir une carte de fidélité. Le taux d’équipement en téléphone connecté à Internet est désormais de 50 % parmi les possesseurs de téléphone mobile. Le smartphone a atteint la barre symbolique des 50 % des opinions comme support futur des programmes de fidélité. 2 Français sur 10 déclarent connaître les programmes de fidélisation dématérialisés, illustrant l’usage récent de cette possibilité (15 % des personnes équipées de Smartphone a déjà téléchargé un programme de fidélisation dématérialisé sur son téléphone). Incontestablement qualifié d’innovant, le téléphone l’emporte sur toutes les qualités reconnues, même si le poids des habitudes reste fort, les craintes exprimées (peur d’être trop sollicités, trop dérangés, crainte d’une trop grande intrusion) et l’attraction suscitée par ce nouveau sésame (avoir des « infos personnalisées ») sont réelles mais, profite encore aux cartes plastiques (moins encombrantes, ne tombent pas en panne, ne dépendent pas d’un réseau).

Alors est-ce leur fin annoncée ? Le passage à la dématérialisation est-il adopté ? Oui à condition que les bénéfices soient réels et bien expliqués. Le choix du plastique touche encore la moitié de la population, mais l’offre va petit à petit modifier le paysage et la technologie fera sa place dans ce nouveau marché.

L’année 2013 sera t’elle celle de la coproduction et de la collaboration ? Marian Salzman*, semble le penser. Pour elle c’est le concept le plus tendance, tous les mots commençant par « co- » (co-création, cooperative, co-parentalité, combinaison, coïncider, co-entrepreneurial). Un remède pour se prémunir contre l’isolation qui menace. Ici, le consumérisme est remplacé par la consommation collaborative (autolib, vélib, etc.) Réduire sa consommation, réutiliser et recycler sont les mots qui suivent ! Michel Serre l’affirme aussi, nous sommes dorénavant co-producteur du savoir. « Dans un monde dominé par Wikipédia – nous sommes tous soupçonnés de compétence ».

C’est probablement pourquoi les tendanceurs de Maison et Objets, ré-explorent  les modalités du confort émotionnel avec pour mot d’ordre : « la vie à fond ».

Pour Elizabeth Leriche – Nourritures Premières – des graines germées à la viande en passant par le lait, le miel, le sel, les légumes ou encore le pain, l’aliment inspire la créativité des artistes. Presque une “liturgie“ du partage… Pour Vincent Grégoire – Renaiscience – les “états de la nature“ : gaz, fibres, moisissures reflète un monde en mutation. D’où ces esthétiques alambiquées, signes  d’une possible renaissance. Pour François Bernard - Pionnier – nous devons reconsidérer nos styles de vie. Les éléments naturels sont éternels parce que simples, donc luxueux. C’est pourquoi le design se veut  “à vivre : affranchi de la rigueur industrielle et s’affirme émotionnel“.

Dorénavant le mot d’ordre pour les éditeurs et les designers est le regroupement, de coproduction, qui répond aux besoins de toutes les typologies d’aménagement  (privé ou tertiaire).

*Marian Salzman, PDG de Havas PR en Amérique du Nord

Designer récent, Cédric Dequidt cultive ses idées, les laboure et leur donne vies, formes et matières, “j’ai commencé à dessiner des produits en 2009 et démarré l’aventure en 2011“.

Chaque concept a ainsi l’occasion de se décliner en de multiples créations. Cette manière de travailler lui permet de s’affranchir de la contrainte du style, ses penchants pour le minimalisme et le constructivisme précisent toutefois sa démarche… Pour lui Les idées doivent être mises en forme, quitte à y passer énormément de temps : “le fait de partir d’une idée permet de m’affranchir des contraintes. Le design est une sculpture utile, c’est cette utilité qui donne une échelle. Certains types de produits comme une horloge, par exemple, peuvent remplir leurs fonctions à petites ou grandes échelles“.

Q – POUVEZ VOUS NOUS DÉCRIRE VOTRE PROJET ?

Le propre d’un créatif est de pointer du doigt un manque et essayer de le combler. Ce travail s’inscrit dans cette démarche : imaginer une écriture rapide des chiffres tout en choisissant l’alphabet latin comme référent.

Les lettres minuscules ont été créées sous l’ère carolingienne, et les chiffres (arabes) sont apparus 200 ans plus tard. Cette évolution s’inscrivait dans un souhait de rapidité d’écriture où le “E“ est devenu le “e“. Moi, je me suis amusé à imaginer l’évolution qu’auraient pu avoir les chiffres s’ils avaient subi le même sort que les lettres au IXe siècle.

Q – POURQUOI UN PROJET DE TYPOGRAPHIE À L’ÉPOQUE DE L’OPEN SOURCE ?

Mon processus de création consiste à mettre en forme une idée, un concept… Ici le travail sur les chiffres a abouti à une nouvelle écriture – autre exemple de mon travail la maxime “sous les pavés la plage“ a débouché sur une serviette de plage, l’expression “le temps c’est de l’argent“ à une horloge – Pour diffuser mon idée, je l’ai mise en ligne sur le site dafont.com. Je suis très surpris par le nombre de téléchargements, mais également curieux de connaître les utilisations car je vous avoue que je ne l’utilise pas tous les jours.

Dans le cadre du festival lille3000, Grand-Hornu Images consacre à Mathieu Lehanneur* sa première exposition monographique*. Dans une mise en scène personnelle et spontanée, elle dévoile la façon dont le designer explore les possibilités naturelles et technologiques pour produire des objets aussi fonctionnels que magiques.

DESIGN, SCIENCE, RÊVES D’AVENIR ?

Un objet (est parfois) sans vie, sans âme. Une compagnie inerte et silencieuse pour l’homme. Dans la science-fiction, au contraire, une chose est une entité vivante, palpitante et parfois effrayante. La sélection des projets présentés ici est une sélection de choses, de toutes sortes de choses. Objets de grande série, de petite série, pièces uniques ou projets de lieux, ils ont tous en commun, au-delà de leur fonction première ou du contexte pour lesquels ils ont été conçus, d’être animés d’un supplément de vie. Tous vivants, mais pour le monde réel…  »

*Mathieu Lehanneur, diplômé de L’ENSCI – Les Ateliers en 2001, développe une démarche au plus proche de nos aspirations. Andrea, système de filtration de l’air par les plantes, devenu depuis un best-seller.

Il existe des façades médiatiques datant des premières décennies du XXe siècle, comme par exemple les panneaux publicitaires sur Times Square. À l’origine, ces façades statiques, affiches surdimensionnées adaptées à l’édifice, étaient tout simplement un ajout. Dorénavant les façades sont de plus en plus dynamiques. L’image modifiée de la coque tisse de nouveaux liens entre le bâtiment, l’emplacement et la fonction et donne naissance à un outil de communication. “Les façades sont une expansion de l’esthétique“, commente Tim Edler, “désormais, l’architecture est une tentative d’ordonner les éléments de l’environnement, où le bâtiment interagit plus directement et plus rapidement avec son environnement“. Alors, imaginons un coucher de soleil permanent, une pure abstraction, un moment suspendu en mouvement perpétuel, au-delà des frontières et de nos perceptions. Conçu par le collectif Electronic Shadow (Naziha Mestaoui et Yacine Ait Kaci), Eternal Sunset propose au public de vivre une expérience renouvelée quotidiennement : découvrir en temps réel un coucher de soleil sur la façade du Suite Novotel*.

UNE NOUVELLE FOIS VOUS INVESTISSEZ LE MEDIA FAÇADE, QUEL EST VOTRE RAPPORT À L’ARCHITECTURE URBAINE ?


Depuis 12 ans d’existence d’Electronic Shadow, nous avons toujours considéré l’architecture comme un média dans une fusion à venir du matériel avec l’immatériel. C’est bien plus que de considérer qu’il y ait d’un côté une architecture urbaine et de l’autre une architecture de l’information, c’est une hybridation des deux dans un rapport différent au lieu et à l’expérience. De fait, la mobilité a modifié le rapport à la ville, d’abord la mobilité des corps vers les bâtiments-information jusqu’à la mobilité de l’information elle-même. La façade devient un des points de rencontres entre la matérialité du bâtiment et l’immatériel des informations et des signes qu’il abrite, jusqu’à la friction de l’art qui en modifie la perception.

COMMENT PRENEZ VOUS EN COMPTENT L’INTÉRIEUR ET LA LOGIQUE DES LIEUX ?


De fait, une façade n’est pas qu’un mur, c’est la surface d’un contenu qui se poursuit à l’intérieur. Dans le cas de notre intervention sur l’hôtel lillois, il nous semblait pertinent de jouer le motif du coucher de soleil sur un bâtiment dont la vocation est d’accueillir le sommeil et la traversée de la nuit que le coucher de soleil annonce.

PENSEZ VOUS ÊTRE UNE NOUVELLE GÉNÉRATION DE MURALISTES ?

Peut-être dans la mesure où le mur poursuit son histoire de média à part entière mais il s’agit moins d’utiliser le mur comme une surface d’expression que comme extension du bâtiment lui-même. Nous inaugurons l’année prochaine une média façade permanente intégrée à l’architecture de Jakob et MacFarlane du Frac Centre d’Orléans dont nous avons conjointement remporté le concours. La peau d’information fait partie du bâtiment à part entière, c’est le début de l’hybridation.

*Lille3000 - Depuis Lille 2004, décomplexée Lille a continué à faire vivre l’élan culturel qui a embrasé et fait rayonner ce territoire alors Capitale Européenne de la Culture. En s’appuyant sur la conviction “que l’art et la création sont des espaces fédérateurs d’émotion et de réflexion“ – Martine Aubry – Lille3000 a considérablement amplifié cette dynamique au travers d’événements aussi pointus que populaires, présentant de nouveaux rendez-vous de la Gare Saint Sauveur (Futurotextiles) et une grande exposition au Tripostal.

YA+K* vise à produire des espaces temps ludiques et critiques, où s’initient et s’écrivent d’autres rapports au réel et à l’imaginaire. Le collectif qui s’est constitué sous forme d’association après plusieurs mois d’activité a pour but de soutenir et de développer des projets qui s’inscrivent dans cette démarche L’association est à ce jour composée d’une dizaine de membres, étudiants et professionnels.

LILLE, POURQUOI ?

Le cadre de la résidence fait écho à une méthodologie de travail que développe YA+K, à savoir le workshop. Réunir des savoirs, des matériaux, des outils et créer… Cette dynamique du workshop, permet la spontanéité et l’intuition qui interroge le concept de départ. La résidence offre un espace-temps de travail favorable à l’expérimentation : le contexte de Lille 3000 permet de confronter nos méthodes de travail à celles d’autres acteurs, le lieu, la structure et les institutions sont singulières. Notre projet, Purpose constitue une forme de mobilier urbain qui tire profit des ressources de la ville. La benne détournée questionne les matériaux et leurs usages.

Un contenant générique pour des pratiques et des identités singulières !

LE DESIGN, C’EST QUOI ?

Pour eux, leur conception du design est un rapport au geste, au savoir-faire, au besoin d’expérimenter. Nous avons un profond respect pour les artisans, qui d’une certaine façon résiste au système économique dominant. Néanmoins nous sommes, en terme de pratique plus proche du bricoleur.

*Réunissant de jeunes architectes, designers, artistes et urbanistes autour de projets, qui questionnent et investissent parallèlement les champs de l’architecture, de l’urbanisme, de l’art et de la culture, au regard de leurs dimensions sociale, politique et culturelle.

D’emblée on peut se poser la question de savoir qu’est-ce qui pousse un designer à s’installer en résidence ? Et plus particulièrement à Lille (Lille design) ? « Façonner la matière, confronter son prototype à des usagers, échanger et jouir de la dynamique de l’événement, répond Étienne Barlot*, d’autant plus que pour lui, Lille a toujours été une ville sensible à la culture. Cette ville « en mouvement constitue un laboratoire d’expérimentation pour des innovations sociales.

Là, Étienne veut apporter une réponse au stress généré par les flux : “je souhaite proposer un répit et permettre de lever les yeux vers le ciel“ (et les nuages). Prototype, sa “toile d’évasion“ est un mobilier urbain qui offre une position assis-debout et inclinée, qui permet au corps d’être totalement relâché, lors de pauses méridiennes. « Bien sûr c’est un projet de résidence, mais cette idée est conforme à une réalité pour les usagers de la ville ». Comme son projet, pour Étienne, le design une grande part d’équilibre, un outil, une activité qui résulte d’une somme d’intentions liée à l’observation de notre environnement, de la société et de ses évolutions. Alors ne nous trompons pas, car il fait partie de ces nouveaux designers, jeunes diplômés ne se jugent pas sur la base d’une singularité, mais cherche à être en résonance avec le plus grand nombre. “Le design s’inspire du patrimoine objet, architectural, filmique, graphique, environnementale, sociétal, littéraire. Au designer de détecter les phénomènes nouveaux et les problématiques associées, c’est ce que sépare pour lui le concepteur de l’artisan. Issu du savoir faire technique, de la spécialisation et de la connaissance profonde de la matière. Il n’a pas pour vocation de formuler des intentions au travers de ses réalisations. Si tel est le cas alors il bascule dans le design“. Concepteur versus réalisateurs, une position osée ! Osons une question :

VOUS INSCRIVEZ-VOUS DANS UN ÉCOSYSTÈME ?

Transposer la notion d’interdépendance entre un être vivant et son milieu à l’homme est révélateur de notre quête perpétuelle d’équilibre. Il s’agit presque d’une valeur, d’une aspiration. Il faudrait en faire un paradigme sociétal !

À mon échelle, je me bats au quotidien pour l’enrichir.

* diplômé de l’ENSAD de Paris École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs) en 2009 il est dorénavant indépendant.

La prochaine étape (frontière) consiste à intégrer “la voix du client*“ dans les systèmes de CRM, en intégrant des données non structurées.

1/9/90 c’est la théorie de Jakob Nielsen à propos des contributeurs : 1 % de contributeurs réguliers, 9 % d’occasionnels et 90 % de spectateurs surfent chaque jour sur la toile et font part d’une expérience et alimentent des conversations (un tweet sur cinq concerne une marque directement ou indirectement).

De moins en moins de clients s’adressent directement aux entreprises, mais de plus en plus partagent leurs déconvenues (rarement leur enthousiasme) sur la toile**. 2,4 adresses mails par personne, de nouvelles identités sur les réseaux sociaux, des usagers surfant sur la toile le soir, appelant le matin, envoyant un mail l’après-midi, participant à un jeu en magasin, s’exprimant sur un site d’avis consommateurs… Conséquence des organisations perturbées qui doivent garantir la traçabilité du client. Tout le monde parle de Community Management comme d’un gadget à la mode, alors qu’il s’agit potentiellement d’une nouvelle fonction de l’entreprise (Chief Customer Officer ou Directeur du marketing client). Mais, en même temps qui n’a pas entendu dans les couloirs des entreprises : “le client du site est mon client“, “les clients magasin dépendent de la direction des opérations“, “on va faire une bonne vieille campagne TV et on déclinera sur le reste“… Alors la nouvelle frontière est ce l’intégration des réseaux sociaux dans le CRM ou le décloisement interne autour de la machine à café ?

*Thierry Spencer, cofondateur de Testntrust.com, un site d’avis consommateur véritable baromètre de satisfaction 2.0. **Oasis compte 1 513 000 personnes (1er janvier 2011) ayant déclaré leur intérêt pour la marque. *** Dans les dernières années, les outils de surveillance des conversations “le buzz monitoring“ se sont développés, offrant des tableaux de suivi de la réputation en ligne.

Le rôle du design a fortement évolué : il est dorénavant appréhendé comme un facteur de compétitivité et un élément de la politique globale de l’entreprise, “ce n’est pas un art, ni un mode d’expression mais une démarche créative méthodique qui peut être généralisée à tous les problèmes de conception“. Roger Tallon. Le design fait-il partie du capital marque* de l’entreprise ou est-ce autre chose ? Deux idées se distinguent, la valeur du design pour l’entreprise (actifs tangibles et intangibles), et la valeur pour le “consommateur“ (associations fortes, positives et uniques). Le web design s’inscrit dans cette logique, est-ce une vitrine technique (bien matériel) ou est-ce un canal d’expression en plus pour la marque (bien virtuel) ?

Avec la numérisation, il est désormais possible de lier des éléments entre eux provenant de différents supports (photo, dessin, vidéo, son, hypertexte) au sein d’un même document tout en innovant en matière de création. L’hypertexte met en place une nouvelle approche de la lecture, non linéaire contrairement aux supports antérieurs*, comme l’affiche, la télévision ou la radio. Ici la logique du récit est remplacée par une logique de discours. La première raison est la réduction de l’espace-temps et la prise de contrôle du destinataire qui devient co-énonciateur du schéma narratif. Par exemple les campagnes publicitaires sur Internet doivent s’adapter aux attentes des utilisateurs et l’impliquer sur tous les plans. La notion de récit ne peut s’appliquer au site web (parcours multiples de l’internaute), mais certains éléments sont des récits au sein du dispositif (vidéo, animation). Chaque élément doit être conçu comme une partie autonome qui s’intègre dans un tout, au sein duquel on doit retrouver une cohérence globale et cela quel que soit le chemin parcouru par l’internaute. Chaque élément doit contenir le tout sans être répétitif. L’internaute doit pouvoir sauter un élément du discours, sans pour autant perdre la compréhension globale du site.

On le voit, via le web design, ce nouveau type de narration, participe matériellement et virtuellement au capital de l’entreprise, via le capital de la marque.

*Le capital marque est défini comme : “l’ensemble des associations et comportements de la part du consommateur de ses circuits de distribution et de l’entreprise à laquelle elle appartient, qui ne ferait pas sans le nom de marque et qui leur donne un avantage fort, soutenu, et différencié par rapport à leurs concurrents“. **le schéma narratif est couramment utilisé pour la mise en scène de la marque, dans les méthodes et outils sémiotiques proposés aux professionnels, reprenant l’analyse des contes populaires de Propp, cette dernière est basée sur différentes étapes : l’étape initiale, une force perturbatrice, un déroulement de l’action, une force équilibrante, une étape finale.

“Les tourbillons générés saisissent la lumière en créant un phénomène d’émission de lumière grâce à un anneau de Leds disposé sur la circonférence“.
Psychédélique, hypnotique, Nébula la nouvelle applique imaginée par Ross Lovegrove pour Artemide.

Rares aujourd’hui sont les marques sans passé ou avec une plate-forme de marque à reconstruire. Nous nous situons plutôt dans une étape où le design permet d’accroître la valeur de la marque en la rendant visible ou en traduisant ses valeurs concrètement.

Pour autant, peut-on encore dire qu’en achetant telle ou telle marque, les consommateurs adhèrent aux valeurs de l’entreprise ? Ou faut-il simplement envisager une amélioration globale des preuves de marque ?

Bien sûr, il est excitant d’entamer une démarche de refonte des preuves de l’image de la marque, de produire moins de supports en s’assurant de leur impact, mais il est encore plus important de rester modeste et en phase avec notre époque ! Si l’on distingue les marques qui ont un ancrage dans le monde réel, comme Darty et les e-marques qui sont purement virtuelles, comme Amazon, on constate que toutes possèdent leur propre site Internet. Un site* qui pour beaucoup remplace les plaquette commerciale. Internet est soit un canal de distribution (sites transactionnels) ou un médium de communication (sites informationnels ou communicationels – les blogs). L’interactivité permet notamment à la marque de renforcer sa relation avec ses consommateurs, puisque ce dernier décide de son parcours sur le site. Il est libre de naviguer sur les pages web qui l’intéresse. Cela pousse les marques à réévaluer leur relation avec ses visiteurs, quitte à personnaliser les parcours en fonction des cibles. Mais, cette prise de pouvoir du consommateur est à double tranchant, d’un coté il est plus impliqué car il décide de lui-même de consulter, de l’autre cette liberté rend ce média difficile à maîtriser. C’est probablement pourquoi les marques continuent en parallèle d’utiliser les médias classiques.

*Quatre types de sites : persuasifs, incitatifs, informationnels, et de réalisation et contrairement aux supports print, le site web a la particularité de jongler avec les différents types de site pour construire son discours Internet.

Les 15-25 ans arrivent, le réseau au milliard d’amis en bandoulière, ils comptent bien s’en servir pour faire bouger les choses, vivre autrement, et peut-être même inventer une nouvelle vie. Ils l’ont prouvé au Maghreb, à Madrid, Wall-Street et ailleurs : les générations précédentes (baby boomers, X et Y) leur ont légué “tout est effectivement foutu“. Ils s’en sortiront grâce à leur mode de fonctionnement en réseaux, en nouvelles solidarités qui créent de nouvelles formes de militance. Ils réclament le droit à l’essai, le droit à l’erreur et placent la sérendipité (le hasard heureux) au rang de valeur. La transparence, la proximité et la bonne foi redeviennent des constantes de cette génération qui croit à ce qu’elle voit : le buzz non-stop sur le réseau est une arme !

Pour mieux les comprendre adressons-nous à Georges Lewi, mythologue*, analyste et auteur du livre “les nouveaux bovarys“.

QU’EST CE QUI CARACTÉRISE CETTE DEMI-GÉNÉRATION ?

Elle est d’abord féminine : 74 % des blogs sont créés par des filles dont on connaît le rôle moteur dans certains mouvements comme les printemps arabes. Internet permet de tout savoir sur tout, sur les sujets les plus complexes. Ils s’en servent pour alimenter un débat scientifique de “pro-am“ (professionnels-amateurs – il va falloir que les entreprises et leurs marques deviennent plus expertes pour pouvoir leur résister, voire simplement leur répondre. En les voyant agir, je n’ai pas pu m’empêcher de penser à Emma Bovary lorsque j’ai vu ces nouvelles héroïnes, avec leur Facebook en bandoulière essayer de redéfinir la place de la femme dans le monde, et chez elle. Lorsque je les ai vus perdre la partie sans renoncer, je me suis dit ça vaut le coup, comme la lecture du roman de Flaubert !

Les réseaux sociaux nous font changer de génération brutalement.

EN QUOI LES NOUVEAUX BOVARY(S) SE DISTINGUENT-ILS DE LEURS AÎNÉS, LES Y ?

Avec les Y, c’est une génération digitale mais individualiste, presque égoïste, prête à gagner individuellement. La génération Y est pour moi la dernière génération de la performance individuelle. Les nouveaux Bovary ont l’illusion qu’ils vont pouvoir agir en petits collectifs pas en grandes révolutions. Regardons les messages qu’ils s’envoient quand ils sont en contact avec une entreprise. C’est l’inverse d’un Y. Ils se rencardent auprès de leurs amis et ne font confiance à l’entreprise que lorsque cette étape aura été franchie. Le recrutement va devenir difficile d’autant plus qu’ils recherchent des formes associatives, coopératives, en petit nombre avec un grand partage des responsabilités et de l’information.

Le monde change vraiment sous nos yeux…

Nous assistons aujourd’hui à un rééquilibrage entre la parole de la marque et les avis des consommateurs, entre SA vérité et les vécus des clients, entre son identité et son objectivité sur les réseaux. La marque correspond de plus en plus à ce que disent d’elle les consommateurs sur Facebook, sur les blogs ou dans la vraie vie. Elle coïncide en fait de plus en plus à l’expérience, positive ou négative, qu’en ont les consommateurs. Les marques ne vont donc pas disparaître. Le marketing et la publicité non plus. Au contraire, ce sont les modalités de production, d’expression et de diffusion des marques qui vont être radicalement modifiées.

*Georges Lewi est  auteur d’une dizaine d’ouvrages dont Mythologie des Marques ou Les Nouveaux Bovary. Génération Facebook, l’illusion de vivre autrement – Pearson septembre 2012. **Un mythologue analyse la société au travers des mythes, ces histoires, ces représentations qui existent depuis toujours et que les gens considèrent comme vraies. Surtout pas l’histoire rébarbative, mais l’analyse au travers les différentes civilisations et les grands conteurs contemporains (Disney, Besson, Spielberg…) /image © Martin Neuhof, Generation Facebook Gefällt Mir

Lille Design s’inscrit dans la volonté de changement de perspective économique : c’est une plateforme d’accompagnement pour l’euro région. Voulue comme une étape dans le réinvestissement territoriale – tant par Martine Aubry que par Michel François Delannoy* – sa mission est une des multiples initiative de la métropole qui vont dans cette direction. Margherita Balzerani en est la Directrice.

QUELLE EST LA SPÉCIFICITÉ LILLOISE ?

Notre mission* est l’accompagnement économique auprès des PME et TPE, bien sûr nous nous sentons proches du Lieu du Design mais notre véritable référence c’est la première biennale de St. Étienne – suivant mon analyse, initialement, tout partait du mix art/design/industrie. Surtout cette édition était lié à l’espace public, à l’usage, mais aussi à l’énergie et l’investissement des écoles et des étudiants (des dizaines de projets présentés). À Lille, nous aimons le concret, c’est ce qui nous rapproche des missions comparables en Ile de France, dans les Pays de la Loire, ou en Rhône Alpes. Sur le fond ce qui nous différencie du Lieu du Design, c’est qu’il a été initialement développé avec Cap Digital, dans les “gènes“ de cette plate forme existe une implication forte dans les nouvelles technologies. Nous n’opposons pas les deux, nous cherchons plutôt à nous constituer en réponses à tous les besoins territoriaux et transfrontaliers. À terme pourquoi pas un label made LilleDesign, (comme à Montréal). Pour moi, le lieu importe peu, ce qui compte c’est le Territoire dans son ensemble, si le design arrive à se mettre au service (et participer à la fédération) des 87 communes qui le composent nous aurons réussi. Le lieu viendra après, s’il s’avère utile ; pour l’instant le FabLab et les apérosdesign œuvrent déjà dans ce sens.

Ce qui m’intéresse c’est le process… mais aussi le résultat : nous existons par nos actions pas par un lieu, j’aurais réussi quand j’aurais fait de LilleDesign un espace collaboratif.

VERS UN DESIGN DES FLANDRES ?
L’humain est une des composantes et une des spécificités du territoire. Il nous lie avec nos voisins belges, nul besoin de rappeler l’histoire qui a façonné notre région depuis des siècles. La dimension humaine est une volonté, mais aussi une évidence. Pas besoin de faire un annuaire, tout le monde se connait ! il faut multiplier les occasion de rencontre, générer les moments de visibilité (Lille3000 en est un exemple). Car tout est en marche. Prenons l’exemple du CETI***, il fédère la communauté locale autour de la filière textile (succès, réussite…) en liaison avec les appels à projet (Futuro Textile 3), en passant par le prototypage (FabLab), les résidences design, les partenariats (Helsinki, capitale design 2012), la biennale et l’exposition à la gare St. Sauveur… Tout s’inscrit comme une suite logique, pour faire vivre l’euro-métropole.

*Vice-président de la communauté urbaine de Lille **Originaire de Rome, Margherita Balzerani découvre Lille à l’occasion de lille2004, capitale européenne de la culture. Séduite par le concept elle revient pour donner une conférence sur les rapports difficiles entre l’art et les nouvelles technologies, pour s’installe au poste de directrice de Lille Design.***quatre thèmes 1/ le design industriel et textile – espace d’innovation textile 2/ le design urbain – qualité des usages, rendre la métropole aux gens qui l’habite – politique 3/ le design de santé (lié au CHRU de Lille – pionnier en questions d’espace de vie dans l’univers médical) 4/ le design pour le commerce grande distribution. – pour l’heure lié à quatre cluster – la grande distrib – LilleDesign, pôle image – pôle mode) tout cela étant rattaché à l’ingénierie scolaire ****Centre Européen des Textiles Innovants – centre de recherche, d’innovation, de prototypage et de valorisation technologique et industrielle, dans le domaine des Matériaux Textiles Avancés et des Nouveaux Matériaux //image 1 Libre Arbitre – chaise d’arbitre revisitée – Julien Kieffer®S.Cabée /2 Margherita Balzerani©Angela di Paolo

Ich de Ich&Kar, Helena répondu pour le duo incontournable du graphisme contemporain, Héléna Ichbiah et Piotr Karczewski (Ich&Kar.) Discret mais incroyablement présent, le duo graphique Ich&Kar est partout. De prestigieuses marques de luxe comme les bars branchés des capitales font appel à son univers pétillant. De la bouteille d’alcool à la boîte d’allumettes, Ich&Kar décline ses créations aussi sur une collection de motifs muraux sous la marque Vynil. son style ne laisse pas indifférent.

DANS NOTRE MÉTIER, JUSQU’ OÙ DOIT POUSSER L’EXIGENCE DE PARITÉ* ?

La question et la réponse me font sourire, car elles sont terriblement d’actualité ! Mais, heureusement non ! Il me semble que toutes les professions “artistiques“ ont une longueur d’avance. Rien ne semble me séparer d’un désigner, ou tout au moins pas grand chose, sinon pas plus ou plutôt autant que d’une designer il me semble… c’est donc sûrement une victoire pour nous autres

*nous avons posé une question pour réaction à tous les designer(e)s de cette série – Le 2 octobre 1974, lors d’un voyage au Canada, Gérard Pelletier demande à Françoise Giroud : Mais jusqu’où allez-vous pousser cette recherche, cette exigence de l’égalité, de la parité de la femme dans le système ? Françoise Giroud répond : Jusqu’à ce que des femmes incompétentes puissent occuper des postes de direction comme les hommes le font.

Vanessa Mitrani est une experte du verre, revendiquant son statut de designer. Pour elle “la forme est une base pour développer une réflexion sur la vie, la mort, la croyance, l’animalité, la construction, la destruction…“ Dans le monde du design, elle a su imposer sa différence. Un engagement conforme à une période où les croisements entre artisanat et design sont si importants. Le verre, elle le contraint avec du métal. Tôles froissées, cerclages en fer, fils de cuivre tressés ou non, cadres en tubes d’acier soudé… Finis tous les objets répondent à l’idée d’une même collection, mais chaque pièce est unique, issue d’un processus aléatoire.J’ai toujours trouvé que cette phase* disait avec un grand humour une chose très vraie. Je ne pense pas que l’on soit arrivé, malheureusement. Seules quelques “femmes de“ peuvent aujourd’hui correspondre à cette définition, ce qui ne revient en fait qu’à confirmer le triste constat. elles ne peuvent jouir de leur incompétence que grâce au passe-droit obtenu de leur mari, leur père etc.

DANS NOTRE MÉTIER, JUSQU’ OÙ DOIT POUSSER L’EXIGENCE DE PARITÉ ?

Je suis encore plus pessimiste : j’ai coutume de dire que nous vivons dans une minuscule oasis de liberté et d’indépendance pour les femmes à l’échelle de la planète : si la situation ici n’est pas parfaite, et elle ne l’est pas, elle est encore pire dans une majorité d’autres endroits !

Les zones où les femmes peuvent aujourd’hui jouir d’une liberté de choix et d’exercice du pouvoir comparable aux hommes sont très limitées géographiquement et socialement : l’Europe surtout au nord, quelques autres pays occidentaux, et souvent dans les villes les plus grandes. Je considère faire partie de ces chanceuses libres de leurs choix professionnels et personnels, même si cela ne s’est pas toujours fait dans la facilité, cela s’est fait tout de même. Je bénis l’éducation que j’ai reçue, où rien ne m’a été présenté comme inaccessible du seul fait de mon genre. Même si ironiquement, ce qui fait que je ne me limite pas reçoit souvent le qualificatif de “masculin“.

PROBLÈME DE GENRE ?

Dans le design, je n’en vois pas. d’ailleurs il suffit de regarder la quantité de femmes simplement mises en avant pour leurs qualités de designer, et sans autre mention particulière, c’est agréable. Les expositions, les prix et dotations, la presse ou l’enseignement se partagent entre les deux genres, naturellement. Peut-être est-ce parce que le design est un domaine pratiqué justement et majoritairement par un groupe socioculturel où cela fait déjà partie des acquis. Une chose est évidente, cependant : dans beaucoup de pays où je voyage dans un contexte professionnel, mais aussi avec certains corps de métier ici, certains industriels clients ou fabricants, être une femme est de nouveau sujet à questionnement, et l’accueil est clairement différent. Un designer aura plus de facilité à établir le lien de confiance. Une situation que j’ai souvent tendance à oublier dans mon petit ghetto créatif parisien.

En conclusion : j’ai vraiment le sentiment fort d’être née à une époque et un pays propice, mais surtout dans un milieu me permettant une carrière que très peu de femmes au monde peuvent aborder**.

*nous avons posé une question pour réaction à tous les designer(e)s de cette série – Le 2 octobre 1974, lors d’un voyage au Canada, Gérard Pelletier demande à Françoise Giroud : Mais jusqu’où allez-vous pousser cette recherche, cette exigence de l’égalité, de la parité de la femme dans le système ? Françoise Giroud répond : Jusqu’à ce que des femmes incompétentes puissent occuper des postes de direction comme les hommes le font. **Cette “semi-liberté“ voulue pour ces pièces, c’est aussi une manière de vivre et de créer, c’est pourquoi Vanessa est son propre éditeur. Visiblement, cette prise de mesure du risque rassure les marques qui lui accordent leur confiance comme Roche Bobois, Ligne Roset, Habitat… Vanessa Mitrani imagine de nouvelles finitions aux projets plus anciens, elle réévalue l’apparence, les formes ou encore les sections de certaines pièces métalliques, allant même jusqu’à les faire totalement disparaître pour ne garder que la forme organique obtenue, pour nous “rappeler que le verre demeure un matériau vivant, dont les caractéristiques élastiques dialoguent de manière plutôt cohérente avec l’acte créatif“. /Images – 1/ Colors PELOTE Acid green©Vanessa Mitrani 2/Vanessa Mitrani©Jacques Gavard

Stéphanie Marin édite, vit et travaille à Nice. Sa philosophie du design indépendant mêle savoir-faire artisanal, réflexion industrielle et recherche créative pour faire naître une production haut de gamme, où valeur ajoutée signifie innovation et qualité.

Elle joue avec le textile et ne cesse d’étonner sur la façon dont elle conçoit différents objets, pratiques, véritable jeu d’imagination, on reconnaît la signature de Stéphanie Marin grâce aux lignes douces, jamais agressives de ces œuvres. Elle dispose déjà d’un riche parcours mais également d’un avenir particulièrement prometteur.

DANS NOTRE MÉTIER, JUSQU’ OÙ DOIT POUSSER L’EXIGENCE DE PARITÉ* ?

Presque quarante années plus tard, c’est surtout la question de l’incompétence tolérée à des postes de responsabilité qui me soucie – c’est vraiment inquiétant !

La bonne nouvelle, c’est que du point de vue de l’égalité des chances pour les deux sexes il y a eu du changement. Probablement le meilleur est à venir. Je vis et exerce dans une partie du monde et de la société où le fléau le plus important n’est plus l’intolérance à la différence. J’ai conscience que ce n’est malheureusement pas acquis pour tous dans ce monde, moi, je ne me souviens pas d’avoir vécu de problème professionnel lié à une discrimination sexiste ou raciale. C’est assez important pour être diffusé !

Les femmes et les hommes peuvent envisager de se compléter pour affronter leurs problèmes ensemble, s’ils savent partager, cette dynamique sera très féconde.

PROBLÈME DE GENRE ?

Oui surtout quand il s’agit de porter des objets lourds – et dans les interviews, les hommes n’ont jamais à répondre de leur sexe – plus sérieusement chaque individu est unique et chacun de ses particularités, issues de parcours différents s’exprime à travers sa créativité, ce qui fait la richesse de notre discipline. Le design est amené à se développer dans tellement de mondes professionnels différents et sous des formes si variées qu’il est difficile de comparer, de généraliser.

Au final une chose me sépare des autres ! La barbe.

**nous avons posé une question pour réaction à tous les designer(e)s de cette série – Le 2 octobre 1974, lors d’un voyage au Canada, Gérard Pelletier demande à Françoise Giroud : Mais jusqu’où allez-vous pousser cette recherche, cette exigence de l’égalité, de la parité de la femme dans le système ? Françoise Giroud répond : Jusqu’à ce que des femmes incompétentes puissent occuper des postes de direction comme les hommes le font.

Constance Guisset vit et travaille à Paris. C’est une designer française dont le travail s’articule autour de l’illusion visuelle et de la surprise. Elle s’attache à créer des objets légers, animés, dont l’élégante et la fluidité “suscitent l’étonnement et évoquent le rêve“. Deux questions :

DANS NOTRE MÉTIER, JUSQU’OÙ DOIT POUSSER L’EXIGENCE DE PARITÉ ?

Il faut souhaiter que le genre ne soit pas un facteur de décision dans les choix des acteurs du Design. Je ne pense pas que ce soit le cas mais la ligne est parfois ténue.

Plus du 50 % des étudiants en école de design sont des femmes. Etudes terminées, elles représentent moins de 10% des designers indépendants et travaillent plutôt en couple. Cette situation dépend en partie du choix des femmes elles-mêmes. Mais pas uniquement. Il reste un un filtre dans la perception de certains interlocuteurs qui ont une vision faussée des compétences des femmes dans leur rapport à la technicité.

PROBLÈME DE GENRE ?

Il me semble que la question du design de genre se pose plus facilement pour une femme que pour un homme. Une designer est une femme designer, quand un designer masculin est juste un designer…

Ce qui nous sépare… Rien et beaucoup à la fois !

*En mai a lieu sa première exposition personnelle : Design – Constance Guisset à la Chapelle des Calvairiennes, Centre d’Art Contemporain du Pays de Mayenne. Actuellement, elle travaille sur la scénographie du prochain ballet d’Angelin Preljocaj, Les mille et une nuits ainsi que pour des éditeurs italiens et des maisons de luxe françaises comme Louis Vuitton Malletier et Dior. ** nous avons posé une question pour réaction à tous les designer(e)s de cette série – Le 2 octobre 1974, lors d’un voyage au Canada, Gérard Pelletier demande à Françoise Giroud : « Mais jusqu’où allez-vous pousser cette recherche, cette exigence de l’égalité, de la parité de la femme dans le système ? » Françoise Giroud répond : “Jusqu’à ce que des femmes incompétentes puissent occuper des postes de direction comme les hommes le font“. /image Tourbillon pour Christian Dior Parfums

Le projet est né de cette ambition : “développer des projets transcendant les catégorisations classiques en terme de design ou d’art. Nous aimons l’idée qu’un objet soit d’abord appréhendé de manière sculpturale et qu’il appelle ensuite à une fonction“. Aurélie Julien** Carpenters Workshop Gallery expose des “sculptures fonctionnelles*“ conçues par des artistes ou des designers sortant de leurs territoires de création traditionnels.

POURQUOI PARIS ?

Pour tout et pour rien à la fois, Paris est en réalité un retour aux sources. Je poserais la question inverse : pourquoi avoir ouvert au préalable deux galeries à Londres ? La dynamique y était en fait propice à notre engagement et à notre activité. Nous travaillons également à l’ouverture de nouvelles galeries, pour donner un maximum d’audience aux artistes que nous accompagnons et aux œuvres que nous éditons.

Paris nous donne une certaine liberté d’expression. Nous créons des dialogues entre Paris et Londres – Random International qui nous permet de nous affranchir des codes et de développer avec passion la sculpture fonctionnelle.

ÉDITER, POURQUOI ?

Aux débuts de la galerie, Julien Lombrail et Loic Le Gaillard, les deux fondateurs, ont été très marqués par la découverte de Ron Arad et par celle du design hollandais représenté par l’école d’Eindhoven. Ils ont eu la sensation qu’une nouvelle conception de la création émergeait là et que l’on s’éloignait de l’esthétisme et du concept pour aller vers des formes à la fois sculpturales et fonctionnelles. C’était impertinent, souvent drôle et encore peu développé. Ils ont souhaité donner aux artistes les moyens de développer ce type de projets. Ainsi sont-ils allés aux Pays-Bas où ils ont pu faire la connaissance des artistes de la même génération qu’eux, parmi lesquels Maarten Baas et Sebastian Brajkovic. Leurs envies respectives se sont rencontrées et les premières collaborations sont alors nées.

L’aventure de l’édition s’est ainsi imposée d’elle-même : nous éditons chaque pièce à huit exemplaires auxquelles s’ajoutent deux épreuves d’artistes et deux hors commerce (conformément à la loi régissant les œuvres d’art sculptées).

COMMENT S’OPÈRE LE CHOIX DES DESIGNERS ? DES FABRICANTS ?

Nous fonctionnons au coup de cœur. Nous nous dégageons volontairement de tout référent historique pour ne privilégier que l’émotion que nous ressentons vis-à-vis d’une pièce. Chaque sculpture que nous produisons nous procure en effet personnellement une énergie, une force. Le ressenti est le véritable moteur dans notre démarche. Nous donnons ensuite aux artistes les possibilités concrètes de produire leur projet en faisant appel aux meilleurs fabricants. L’excellence en matière de production doit être de mise afin de permettre aux artistes d’exprimer l’essence de leur idée et d’atteindre la perfection. Réunir les talents au service d’une œuvre nous est primordial.

**Aurélie Julien est responsable de la galerie. **Le canapé Irregular Bomb Sofa – Robert Stadler co-lauréat du Prix Liliane Bettencourt – Pour l’intelligence de la main illustre le propos. L’aspect sculptural est également évident dans les œuvres d’Atelier Van Lieshout, de Studio Job, de Wendel Castle ou de Vincent Dubourg.

Pour matali crasset “le design n’est pas un chemin unique de pensée. La porosité est une richesse. Ce qui m’intéresse c’est la richesse du design, au lieu de comparer, affirmons des différences. J’ai pris le parti pris d’avancer avec une confiance farouche dans ce qui m’animait. Personne ne m’a jamais reproché d’être femme et je ne suis jamais sentie à côté ou pas à ma place“*. 

DANS NOTRE MÉTIER, JUSQU’OÙ DOIT POUSSER L’EXIGENCE DE PARITÉ* ?

Le métier du designer propose d’être à la rencontre de plusieurs domaines… et ses facultés de rassemblement sont peut-être plus compatibles avec les valeurs féminines. Le designer de demain sera peut-être de moins en moins celui qui “signe“, et plus que celui qui fédère, il sera moins un design qui s’affiche et plus un design sensible.

PROBLÈME DE GENRE ?

Pour ma part, c’est plus l’émergence d’un design sensible – politique – qui m’intéresse. Les valeurs et les attentes tentent à légitimer un design sensible et une approche intuitive. Il faut prendre au sérieux l’histoire du design que nous propose Alexandra Midal et qui sous l’aune du féminisme propose une vision nouvelle et tellement éclairante. Peut-être que mon rapport aux objets et l’espace, ce que j’exprime à travers des scénarios de vie doit se comprendre ainsi.

Dans mon rapport aux objets, j’ai toujours travaillé sur la notion de fonction élargie. J’ai cette intuition qu’une fonction par objet ce n’est pas assez généreux et que la multifonction n’est pas non plus la solution. À l’injonction si régulièrement répétée de produire des objets qui « font sens » je préfère travailler à réinventer la fonction. Au lieu en effet de chercher à tout prix à symboliser une fonction par une forme et à respecter les codes de chaque secteur (par exemple une radio, évoquant le son, ne sera jamais dessinée comme un grille-pain qui lui évoque la chaleur) je tente de retrouver, dans l’imaginaire, la force des usages. Dès mon diplôme d’école, j’ai dessiné trois objets que j’ai appelé diffuseurs pour bien mettre l’accent sur ce qu’ils donnent et non ce qu’ils sont. Cette “trilogie domestique” était de compléter la fonction d’un objet en lui donnant trois dimensions : fonctionnelle, poétique et imaginaire. Ce projet a été fondateur. Il m’a fait prendre conscience que le savoir faire du designer réside en grande partie dans ce dosage. Le travail consiste alors à apprivoiser les ingrédients qui composent un objet pour qu’ils suivent une intention, qui est la raison même de son existence. Cette complexité du processus de création rend le travail passionnant. Cela demande une grande rigueur intellectuelle. En abordant des “objets meublant“, la fonction élargie est tout naturellement concrétisée en scénario de vie. Cela me permet de faire des propositions en dehors des codes existants, mais aussi de réaffirmer les valeurs du partage ou de l’hospitalité qui sont les socles de mon travail. De plus, le meuble n’est pas envisagé tout seul, comme une star, mais en liaison avec les autres équipements et mobiliers qui structurent la maison. Ceci m’invite tout naturellement à développer des notions de modularité, de fluidité, de changements, de dispositifs non permanents qui permettent de mieux qualifier l’espace en faisant cohabiter les activités plutôt que de les empiler ou les superposer. Ce que j’ai appelé des scénarios de vie.

*nous avons posé une question pour réaction à tous les designer(e)s de cette série – Le 2 octobre 1974, lors d’un voyage au Canada, Gérard Pelletier demande à Françoise Giroud : Mais jusqu’où allez-vous pousser cette recherche, cette exigence de l’égalité, de la parité de la femme dans le système ? Françoise Giroud répond : Jusqu’à ce que des femmes incompétentes puissent occuper des postes de direction comme les hommes le font. /Image – 1/trilogie domestique®ENSCI 2/matali crasset®Saskia Lawaks

Aujourd’hui, grâce à Nouvelle Vague, et à des collaborations avec de jeunes maisons d’éditions, Ionna Vautrin s’impose comme un nom à suivre. Deux questions sur le métier du design et la place d’une personnalité spécifique dans celui ci :

DANS NOTRE MÉTIER, JUSQU’OÙ DOIT POUSSER L’EXIGENCE DE PARITÉ** ?

La réponse de Françoise Giroud a beaucoup d’esprit, à la fois pleine d’humour et de sens critique… Malheureusement elle est restée terriblement contemporaine dans de nombreux domaines à mon sens. Rien ne me sépare d’un designer puisque je suis un designer, mais cela m’oblige de savoir naviguer dans un monde assez masculin. Il faut être polyvalent et s’adapter à des interlocuteurs très différents : éditeur, ingénieur, artisan, prototypiste…

PROBLÈME DE GENRE ?

La qualité, le confort et l’émotion qu’un objet suscite nont rien à voir avec le genre de son créateur, mais avec sa personnalité, et celle de toutes les équipes qui ont participé à son développement. Dans l’absolue il n’y a aucune différence car le design est une histoire de personnalité avant d’être une histoire de genre. Je ne me pose pas la question de la féminité dans mon travail, je préfère questionner les formes – même si les formes des objets que je dessine sont souvent qualifiées de féminines voir maternelles, probablement parce que j’aime modeler des silhouettes charnues et pulpeuses. Mais ces objets pourraient tout à fait avoir été imaginés par un homme. La différence est manifestement numérique, en effet nous sommes encore peu de femmes designers. (Femme et désigner) suscite parfois un intérêt étonnant, parfois même déroutant, comme si nous étions des « bêtes curieuses »…

*Diplômée de l’école de design Nantes Atlantique en 2002, elle travaille successivement pour Camper en Espagne, George J. Sowden en Italie et pour Ronan et Erwan Bouroullec en France. Dorénavant pour la ToolsGalerie, Foscarini, Moustache, Super-ette, De Vorm ou Kvadrat… des collaborations appelées à durer. **nous avons posé une question pour réaction à tous les designer(e)s de cette série – Le 2 octobre 1974, lors d’un voyage au Canada, Gérard Pelletier demande à Françoise Giroud : Mais jusqu’où allez-vous pousser cette recherche, cette exigence de l’égalité, de la parité de la femme dans le système ? Françoise Giroud répond : Jusqu’à ce que des femmes incompétentes puissent occuper des postes de direction comme les hommes le font. /Image 1 Fosacrini – lampe Doll